Ex libris, ex machina

Ida y vuelta al Reino de Obsidiana

2011-08-01T08:44:00.000+02:00

Empecé a escuchar música metal como todo el mundo, en el instituto. En esa edad en que te crees que por dejarte el pelo largo y llevar camisetas contra más cafres mejor cambiarás el mundo. Recuerdo que el primer disco que me compré fue el Roots de Sepultura, luego algo de Blind Guardian y media discografía de Metallica (que por aquel entonces aún no habían sacado Load y aún eran medio decentes. Luego nos jodieron el Napster y ya nos empezaron a caer mal). El caso es que a la mayoría de gente se le pasa la afición, pero como soy de natural testarudo (o algunos dirían que lento, allá ellos) nunca me dejó de gustar la música metal. El hábito de llevar camisetas de grupos con nombres ininteligibles sí que se me pasó, como el de llevar el pelo largo. Con los años hasta he dejado atrás el hábito de llevar pelo, a secas.

El caso es que me llevé el gusto por la música metal conmigo a la universidad, sin importarme que toda la pandilla de seres avanzados que escuchan basura como Antonia Font y Manos de Topo me consideraran un garrulo, y allí conocí a Isam. Isam es un buen amigo, mejor persona, y todos esos tópicos que se suelen mencionar para desmerecer una amistad sobre papel. En resumidas cuentas, es uno de los pocos amigos que conservo, cuya amistad considero que vale la pena mantener y que está suficientemente alterado como creer que la mía también es digna de mantener. Cultiva una apariencia de heavy arquetípico, vestido de riguroso luto, con el pelo largo, liso y también de luto, y como dice él mismo “los heavies como las putas, la chupa en verano y la chupa en invierno”. Luego le conoces y te enteras de que le gusta el yoga y fue monitor de un cau y el mito cae un poco, que se apellide Alegre tampoco ayuda demasiado.

Isam toca el teclado y ha estado en un par de grupos, tocando desde versiones de In Flames hasta temas sacados de videojuegos japoneses. También es el culpable de que mi afición por el metal haya crecido. Ha sido un verdadero cicerón durante todo este tiempo y me ha permitido dejar atrás a Rhapsody of Fire y similares para adentrarme en terrenos más espinosos, como el rock progresivo, el black metal, el drone, el death metal, el prog, y demás anglicismos sofisticados. Isam dejó de tocar durante un par de años, se le notó, pero hace poco vino un día al bar de la facultad con la mirada iluminada y me dijo “estoy en un grupo nuevo”.

El grupo en cuestión es Obsidian Kingdom, un grupo de post-black metal progresivo (sus palabras, no las mías). Después de sacar dos trabajos, Matter y 3:11, el grupo cambió su formación y buscaron nuevos miembros, entre ellos un teclista. Isam pasó de estar apagado a estar desaparecido la mitad de los fines de semana y tener ese brillo enfermizo en la mirada al que se suele llamar ilusión. Al cabo de unos meses me propuso que asistiera a uno de los ensayos del grupo, y tras haber escuchado su música (está toda en su bandcamp y en spotify) me pareció una gran idea. Después de dos fines de semana de tropiezos (que si el bajista no ha venido, que si hace días que no tocamos y este fin de semana sonaremos mal), me llamó en viernes por la noche para decirme que la siguiente tarde me pasara por el local de ensayo. Cancelé todos mis planes para esa tarde y me propuse engañar a mi abnegada novia para que me acompañara e hiciera fotos. Lo conseguí.

Nos pusimos en marcha a las cuatro de la tarde (la medianoche habría sido una hora más true, pero los locales de ensayo tienen la mala costumbre de cerrar), hasta una dirección en l’Hospitalet. Dejamos el coche en frente de lo que parecía un almacén, perdido en un polígono industrial desierto (visto el sitio sigo pensando que la medianoche y a poder ser en luna nueva sería una hora más apropiada para el ensayo) y leímos, efectivamente, “locales de ensayo y trasteros” en un cartel deslucido sobre la entrada para camiones. La creatividad y el genio al lado de los muebles de la abuela, Dios la tenga en su gloria. Isam, con pantalón corto y botas de cuero en pleno verano, nos baja a buscar y razona con el vigilante de la entrada, que lucía apropiadamente simiesco en su jaula de cristal leyendo el Marca, para que nos abra la entrada. El almacén tiene las paredes pintadas de un azul grisáceo, con puertas metálicas numeradas con letreros pintados con plantilla, y el suelo marcado por las roderas de interminables trasiegos de amplificadores y material en carretillas. Nos esperamos con un silencio incómodo a que baje el ascensor, apropiadamente forrado de rojo infernal, y ascendemos al segundo piso del Conservatorio de Satán.

El ascensor nos arroja a una sala de la que salen varios pasillos, pintada del mismo azul carcelario que la entrada del almacén e iluminada mortecinamente por fluorescentes. El aire de la sala retumba con los ensayos de media docena de grupos, en los pasillos hay puerta tras puerta de salas de ensayo, sucintamente numeradas con pintura rojo oscuro y con una ventanilla al lado que está tapada en la mayoría de casos con un papel con el nombre del grupo que la usa. Mirando someramente los carteles que decoran las ventanillas de al lado de los Obsidian veo que se deben sentir en su ambiente, son una sucesión de caligrafías góticas y abigarradas cada una acabada en más pinchos que la anterior.

En la ventanilla del local de los Obsidian Kingdom hay pegada una copia del 3:11, su anterior disco, dedicado a los miedos atávicos. Tener pegada similar obra de arte de Ritxi Ostáriz en un cristal me parece un crimen, pero me aseguran que “el CD no está dentro”. Isam abre la puerta, y nos golpea literalmente un muro de sonido, de guitarra distorsionada, bajo zumbante y batería acelerada. Al fin podré meterme en una de estas reuniones, que según el propio grupo son para dominar el mundo con la forma más pura de magia: la música.

Isam, o Zero Amour Iggdrassil, como se le conoce aquí dentro, es el teclado de Obsidian, Rider G Omega y Prozoid Zeta JSI son los guitarras, que permanecen en el grupo desde su formación, Fleast Race O’Uden es el bajo (y el más joven), y um, Ojete Mordaza II es el batería. Utilizar nombres artísticos inverosímiles es algo muy prog. Poder hacer mención a un esfínter corporal en un press kit y que los medios se lo tengan que tragar es un plus. Me esperaba velas negras, oscuridad y túnicas, pero el calor hace mella hasta en el metal más duro, no desentonamos con nuestras mangas cortas y no soy el único de la sala que va con chanclas.

Los Obsidian Kingdom tocan en un espacio pequeño, saturado. En un espacio de poco más de diez metros cuadrados tengo a mi alrededor, en el sentido de las agujas del reloj y desde mi lugar privilegiado pegado a la puerta por falta de más espacio, la batería, los teclados, un guitarra y el bajista, con Rider en el centro, sobre los pedales de efectos de las guitarras. De entre las montañas de amplificadores y fundas de instrumentos que ocultan las paredes insonorizadas alguien desentierra un par de taburetes y se los pasa a mi novia y a mí. Saludo intentando no parecer demasiado fan a los integrantes del grupo que me presenta Isam y me siento a esperar que ocurra la magia. Creo que solo podría tener más pinta de groupie si fuera una rubia con una 90 de sujetador.

Suele decirse que la música es algo que se siente dentro, y en el pequeño box de ensayo la música resuena, y vibramos nosotros con ella. El calor es infernal, y todos los miembros del grupo sudan a chorros. Ojete Mordaza comenta que “estaría bien mirarse el local climatizado aunque salga por cincuenta euros más”. A Isam se le pega el pelo a la cara y a mi novia se le está empapando la ropa de sudor.

Rider pone orden –como hará más de una vez en el ensayo- y se dirige al grupo: “Tomorrow, luego Maze y Solitude”. Las dos últimas las conozco, son del 3:11, que me habré escuchado ya unas cuantas veces. La primera quizá esté en el nuevo disco, del que no diré nada más. Al comentar con Rider que me proponía escribir un artículo sobre el ensayo me ha mirado a los ojos y me ha dicho “preferiríamos que no digas demasiado del nuevo disco” con esa cara sonriente que te ofrece el padre de una chica cuando te estrecha la mano con unos ojos que dicen “como le hagas algo a mi niña te arranco los huevos”. Me ha parecido un tipo muy cordial, entregado a su obra.

La primera canción es bastante más melódica que las del 3:11, pero a mediados de canción Obsidian Kingdom sube las apuestas y la canción se acelera con un crescendo imparable. Las guitarras entran en solos virtuosos, el teclado y el bajo saturan de sonido la sala, creando un paisaje sonoro bello pero extrañamente perturbador. La batería que tengo a medio metro hace que deje de hacer el gallito y me ponga los cascos de insonorización. Después de Tomorrow, que me deja con ganas de más, entran directamente a Maze, con un principio que es un asalto sonoro.

Rider e Isam se dejan la voz, el grupo entero está en trance. Me siento el tipo más privilegiado del mundo, para ellos esto es un ensayo, yo estoy en un concierto privado. Terminada Maze, Solitude empieza, con una parte inicial que incorpora tramos de teclado que no están en la versión que yo conocía, anterior al ingreso de Isam en el grupo. Son entre las tres canciones más de un cuarto de hora de pura gloria, a los dos minutos cierro el portátil con el que pretendía escribir in situ y simplemente me siento a apreciar la actuación en toda su intensidad y brutalidad auditiva. Aida, mi novia, no deja de hacer fotos. El grupo está en plena subida de Solitude y empieza el headbanging. Rider, Prozoid y Fleast se doblan sobre sus instrumentos, Isam cierra los ojos y la batería entra en un doble bombo vertiginoso. Los amplificadores me hacen vibrar las entrañas y se me pone la piel de gallina.

Después de las tres canciones el grupo se para. Descansan todos y nos preguntan nuestra opinión. Me siento abrumado, indigno, con esa admiración que solo se puede sentir hacia alguien que hace algo de lo que te sabes incapaz. Farfullo que suenan mucho mejor en directo que en el disco, y que me está encantando. Supongo que también estaré poniendo cara de idiota. Rider me pregunta que si veo distinta la primera canción de las del 3:11. Le contesto que sí, pero que me parece bien cohesionada, y que es mucho más melódica. Rider me explica que sí, que quieren un enfoque más melódico en sus nuevas canciones, y me dice que si no me choca que ambas puedan salir del mismo grupo. No me choca en absoluto, ambas canciones tienen el mismo sentido del ritmo, atrapan a quien las escucha en una espiral.

Después de intercambiar opiniones, tocan Prey, la canción que faltaba por tocar del 3:11. Terminada Prey, entran a tocar, seguidas, tres canciones del nuevo disco, un álbum conceptual basado en una obra literaria (recordemos la mirada de Rider) que tienen colgada presidiendo el local. Es una historia victoriana, oscura, de locura, raptos, un auténtico descenso a los infiernos. De hecho, con el pulso demostrado en 3:11 tratando los terrores primarios humanos, no es un tema que se aleje demasiado.

Las tres canciones que tocan introducen melodías una tras otra, tejen un paisaje sonoro tangible. Me siento a escucharles, mirando el poema, consciente de que estoy asistiendo a la creación del nuevo disco. De la misma manera que los temas de 3:11 son cerrados, unitarios, tengo la sensación escuchando los nuevos de que solo podría hacerles justicia al explicarlos si escuchara el álbum entero. Cada canción evoca una escena de un retablo macabro que fluye sin problemas, un álbum con varios temas que son uno solo. Las melodías inquietantes, los crescendos del descenso a la locura, la cadencia sin piedad de la batería… Estoy viendo los decorados de la historia, las salas esplendorosas que se derrumban dejándonos atisbar el abismo que esconden.

Quedo completamente mesmerizado por la música, al cabo de unos minutos que se me hacen horas los Obsidian se detienen y deciden salir a tomar un descanso. Al abrir la puerta de la sala, el aire de pleno julio que entra por la rendija se me antoja casi glacial. Rider se queda dentro de la sala experimentando con los pedales de efectos y su guitarra, se le ve absorto en la música. Isam, Prozoid y Fleast se sientan en el pasillo y me piden mi opinión. Les expreso (torpemente) lo que he llegado a disfrutar y acompaño a Mordaza a las máquinas de bebidas de la planta baja a buscar algo de beber.

Encerrados de nuevo en el ascensor infernal, nos conocemos algo mejor, al fin y al cabo compartimos la amistad de Isam. Eso y yo llevo siguiendo el blog de Mordaza, Furia Contra la Máquina, desde hace tiempo. Yo le cuento mis miserias de juntaletras y él me explica como de Madrid se mudó hace poco a Barcelona, y la intensa preparación que le supuso entrar en Obsidian. El grupo juega en sus canciones con tempos poco convencionales, y hace cambios de ritmo inesperados. Con todo, le aseguro que lo está haciendo mejor que bien, y que su batería tiene una fuerza impresionante. Subimos de nuevo él con su refresco y yo con una botella de agua de litro y medio (Bezoya, bezoya, tócame la…) y nos recibe más música desde la sala entreabierta donde ensayan los Obsidian.

Isam, Fleast y Aida aún están en el pasillo, refrescándose, pero Prozoid y Rider están improvisando en el interior. Sigo charlando un rato con Mordaza, pero veo como se le van los ojos y los oídos. Pronto tanto él como el resto del grupo entran a la sala, llamados por los cantos de bestia marina (porque no pueden ser de sirena) que salen de ella. Se pasan más de diez minutos improvisando, tocando registros propios desde Mastodon hasta God is an Astronaut, pasando por Alcest. Se me ponen físicamente los pelos de punta. Cuando les pregunto si algo de lo que han tocado lo tenían escrito y Rider me dice sonriente que no, pero que “esto es fácil, no tiene ningún misterio”, siento poco menos que reverencia. Esta gente juega en una liga distinta y que yo no me podría ni haber imaginado cuando hacía versiones torpes de Master of Puppets a los diecisiete.

Después de la improvisación, vuelven a canciones que no conozco, creo reconocer alguno de los temas que ya habían tocado, pero los Obsidian se detienen a cambiar y retocar partes. Los cinco discuten efectos, acordes, notas, y como es lógico no me entero de nada. Vuelven a tocar los temas que habían tocado antes del descanso y uno que solo había escuchado en formato midi en el Guitar Pro del ordenador de Isam, y deciden cambiar una parte de la estructura de la canción, se ponen a improvisar riffs y acompañamientos.

Abrumado por tanta creatividad, y temeroso de quedar a la altura del betún si se me pregunta por mi opinión en una vez más (se diría que me siento casi indigno de que me pregunten), decido marchar con Aida y dejarles que acaben la parte más técnica del ensayo en privado. Me despido agradeciéndoles la oportunidad, sintiéndome empequeñecido. Me estrechan la mano y me dicen que les va bien tener público en los ensayos para ver qué funciona y qué no y me siento hasta importante. Salimos de los almacenes bajo la mirada atenta de un simio distinto desde la garita de vigilancia. Me subo al coche, sintiéndome hechizado, dejando parte de mí atrás y con ganas de volver al reino de obsidiana, de ver a los actores que bailarán por los escenarios que tejen con su disco inacabado. De verlos bailar, horrorizarse y sangrar.

Barcelonas ocultas

2011-01-11T18:20:00.007+01:00

HACE DOS SEMANAS publiqué en El Mundo un artículo sobre la peculiar visión de Barcelona de Dani Cortijo, historiador, escritor y poseedor de conocimiento poco común sobre la ciudad. Les dejo el enlace al artículo y les pongo más abajo la transcripción íntegra de la entrevista.

Foto por Santi Cogolludo

Ubeinn: ¿Como son las otras Barcelonas?

Dani Cortijo: Las otras Barcelonas están dentro de la Barcelona “normal”, pero tenemos que educar nuestra mente y nuestros ojos para poder verlas. Por ejemplo, aquí al lado, en la Calle Joaquim Costa, tú ves una calle normal del Raval, pero allí en 1912 hubo una de las criminales más sanguinarias de la historia de Barcelona, Enriqueta Martí, la vampira del raval , o que fue la calle más rebelde de la ciudad en el Siglo XIX. Si pasas por esta calle o cualquier otra de la ruta, ya no verás solo esta calle, verás la de 1912, puedes pasar por una tienda y saber que dentro de esa tienda hay una muralla romana, yo te ayudo a ver estas otras Barcelonas. Hay quien me pregunta “¿como es que te gustan estas calles tan estrechas?”. No veo solo estas calles, veo muchas otras, y no estamos hablando de magia ni nada, simplemente de conocer tu entorno para quererlo. Para querer el patrimonio hay que conocerlo.

U: Patrimonio como el caso de quién pasó de lustrador de zapatos a mago.

DC: Sí, lo del lustrador de zapatos y el mago viene de que se conservan pocos anuncios del siglo XIX, y dos de ellos son de la misma persona, que fue primero lustrador y acabó siendo mago de la corte real. Empezó lamiendo su betún para demostrarle a la gente que era natural, y fue haciendo más trucos hasta que se dio cuenta de que a la gente le interesaba por los trucos y no por su habilidad como lustrador. De ahí actuó en los Campos Elíseos del Eixample, y se fue proyectando. Podemos reseguir su historia saliendo de un recorrido turístico más tradicional y hacemos un recorrido a fondo. Yo siempre digo que si estás en una encrucijada de calles, toma la que no sabes hacia dónde va. Si ya sabes hacia dónde irás por la derecha, coge la izquierda. Cuando mires a tu alrededor y no sepas dónde estás, en ese momento estás conociendo Barcelona. Puede que aunque cada día durante treinta años vayas de tu casa al quiosco por el mismo sitio, un día descubras una marca en una pared que siempre estuvo allí y no sabes qué significa. Hay gente que ha vivido siempre en Barcelona y no la conoce.

U: ¿De dónde surge este interés por lo olvidado?

DC: Todo el proyecto Altres Barcelones, dónde tengo el blog, empieza cuando a los dieciocho años empiezo a hacer de guía turístico por las calles de Barcelona. Hacía rutas para niños y tenía que buscar temas atractivos para que se fijasen. Iba tomando notas, que se convirtieron en un blog, que se convirtieron en un programa de radio, que se convirtió en un premio, que se convirtió en un libro, que se ha vuelto a convertir en una ruta por la calle. Yo vengo del medio Internet, y me interesa mucho el contacto con el lector, la ruta me permite un contacto directo con el público. Además me he encontrado con gente que viene a la ruta y sabe cosas que yo no sé, siempre aprendo algo, o que me han hecho una pregunta, me ha picado no saber la respuesta, lo he buscado y he encontrado una buena historia. Hay muchos temas surgidos así en mi blog.

U: Cuénteme algún punto de la ruta que le guste particularmente.

DC: El caso del marine encerrado en un bar. He conocido a la protagonista de la historia, y ha venido a la ruta gente que había estado ese día sacando cadáveres de las aguas del puerto y que iban asintiendo mientras lo contaba. Siempre digo que la historia hay que comprenderla in situ, la historia está ahí, hay que tener un cierto fetichismo sabiendo que estas piedras que ahora pisas en su día las pisaron los romanos. Tenemos una ciudad con 2000 años de historia. A veces hablando con gente de fuera de Europa, llevando alumnos estadounidenses, les dices “esta pared tiene más de 2000 años”, y se ríen, creen que les estás tomando el pelo. No apreciamos el estar con esta historia a nuestro lado. Buscamos temas con los que la gente convive a diario pero no lo sabe o no lo aprecia. Y buscar rutas atractivas, graciosas. Que si fuéramos una escuela atrajeran al alumnado. Hacemos ocio cultural. Hay que venir a pasárselo bien, yo no doy muchas fechas, cuento anécdotas para que la gente se quede con ellas. Por ejemplo, que durante la ocupación napoleónica se usaban las espardenyes para defenderse como si fuera un arte marcial...

U: ¿Espardenyes como arma marcial?

DC: Esto lo explicaba Joan Amades, como en esa época los barceloneses debían ir desarmados, a veces usaban las espardenyes como arma arrojadiza. También hay testimonios del Baró de Maldà que en las tabernas fuera de las murallas -fuera de murallas no se pagaba impuesto para el vino- a veces cuando los soldados franceses se ponían bravos, la gente les tiraba porrones. O para comunicarse con los ingleses la resistencia usaba las cometas de los niños que jugaban. Y como esto, muchos episodios.

U: Hábleme de los Victors universitarios.

DC: Este emblema se utilizaba para reconocer gestas universitarias, y en Granada he visto algunos datados en 1992, o sea que allí no se ha perdido la costumbre, pero mucha gente lo relaciona porque Franco pasó por Salamanca, vio estos símbolos en la Universidad y se los apropió como emblema propio para el desfile de la victoria. Incluso alguna persona se pregunta porqué no se borra eso si es franquista, pero son símbolos del siglo 19, de estudiantes que nadie sabe quién son ahora.

U: Se trata de verlo de otra manera, de buscar más profundidad. ¿El turista de la ruta es local o extranjero?

DC: Depende, cuando hay vacaciones suele venir gente de la ciudad, que viene a estas rutas y ve cosas que no ha visto nunca. En la última ruta, en el puente, me vinieron unos aragoneses que estuvieron contentísimos de ver una Barcelona como nunca la habían visto. Es una oportunidad para la gente de la ciudad de descubrir una ciudad en la que viven pero que desconocen.

U: ¿Cómo es esto de ganarse la vida recordando lo que los demás olvidan?

DC: A mí me gusta mucho, y es mi pasión, la verdad. Me ha aportado mucho a mi manera de entender la historia, y a entender que la historia no es solo la historia de las grandes cosas, si entiendes como pensaba un menestral en el siglo XIX, puedes entender la revolución industrial, pero te tienes que poner en la mente de la persona. No creo en la historia objetiva, la historia es subjetiva, hay que intentar ponerse en la piel de las personas que vivieron esa situación y en la de sus adversarios. A veces las cosas no son grandes sucesos, sino las vivencias de personas individuales, los cambios de mentalidad del pueblo.

U: ¿Este bar en el que estamos qué tiene?

DC: Hay sitios que aún conservan un encanto especial, bares, restaurantes, incluso pisos. Conocí hace poco a la inquilina del piso de Enriqueta Martí y me ha invitado a su casa. Algunos sitios conservan este encanto, y aún que tengamos esta idea de que Barcelona es una ciudad cosmopolita, no debemos adoptar esta actitud de borrar lo que es nuestro y adoptar lo moderno. Nuestra manera de ser modernos debe ser sin renunciar a nuestro pasado. Estar orgullosos de las murallas romanas, tenemos la suerte de poder ver en el mismo sitio cosas medievales, columnas romanas al lado... no hay que olvidar. Ni lo nuevo es mejor, ni lo viejo lo fue siempre. Antes había personajes populares en Barcelona como la Moños, y ahora decimos que eso se ha perdido, pero siguen habiendo personajes similares. Como historiador hay que mirar atrás, pero también a su alrededor. La Moños tiene una película, un autómata en el Tibidabo, pero nadie conoce a personajes como la “Marieta enfarinada”, que era una persona que creía que si tenías los mofletes rojos ibas al infierno y se enharinaba la cara. Barcelona es una ciudad donde hay de todo, un amigo mío me decía que le gusta el Raval porque aquí puede vestirse como le dé la gana y nadie le mira raro... Una Barcelona sin personajes populares sería muy aburrida. Ahora mismo en Gràcia está el Senyor Sebi, un señor muy mayor que se dedica a dibujar a la gente y cantarles canciones, porque un día se iba a suicidar y una voz le dijo que lo que tenía que hacer era dibujar...

U: ¿Te consideras un personaje raro?

DC: Raro, no, pero soy una persona pasional, me gustaría hacerme eco de la pasionalidad de Barcelona, pero si invertir muchas horas en algo que no me da beneficios pero creo que da beneficios a la sociedad es ser raro, sí, soy raro.

Copyright y rock progresivo

2010-11-01T23:40:00.012+01:00

Hace poco tuve el placer de entrevistar a Peter Jenner y conversar con él sobre copyright y música alrededor de una cena. Esta leyenda viva del management del rock, que descubrió a Pink Floyd participó en el Free Culture Forum de este año en Barcelona, organizado por los siempre excelentes EXGAE. Cuelgo aquí la transcripción en inglés de la entrevista, una versión mejor editada y traducida se publicará en El Mundo más adelante esta semana.
EDIT: Ya se puede visitar la versión traducida y editada en este enlace. Disculpen las molestias.

Peter Jenner. / Foto por Ángela Precht bajo licencia Creative Commons.

Ubeinn: Do you consider copyright is still applicable in the current context?

Peter Jenner: Copyright is a system that was invented to provide an economic basis for people to invest in creative works instead of employing third parties to do it. But it was also always a control system. The key issue, as I said in my talking, is the relationship between the people that use, that access the content; I don't say consume, because they don't consume it by using it; and the creators of that content. That's the key relationship. Copyright is a mechanism that was invented to try to transfer resources from the user to the creator and the people who invested in that creation.

Now, that seems to be quite a good idea. And copyright developed in a linear fashion as the technology developed. It got applied to printed music scores when music notation was normalized, then it covered recordings, then it covered playing pianos, radio, and as such it became a very complex system. Technology became more complex, and copyright became more complex. But it was also based within and industrial structure. It implied the people who created works and all the people that manufactured them in a transferable form. Then people bought that transferrable form, and with the time, various structures grew in between: record companies, publishers, collection societies, record manufacturers and retailers... All these people helped this complex system work, and it worked, until we went digital. When we became digital it stopped working and started fucking up.

U.: So copyright being a byproduct of the cultural industry itself, it adapted with the times until the digital age started. Wouldn't you say copyright is then obsolete now?

P.J.: It seems to me that you could argue that as long as there's a linear development in technology, there's a linear development in copyright. But the digital situation was a discontinuity. It was a non-linear development, and linear structures such as copyright have trouble adapting to that.

U.: Has the music industry fallen behind in this scenario?

P.J.: Absolutely. It almost had to fall behind the times, as the music industry is built around records, and publishing, and radio, and all those things were involved in industrial processes. When you go into digital distribution, you get into a situation where the individual, at home, is in some sense the distributor and the manufacturer of the good. And a lot of the functions done by people in the value chain before have become less and less necessary. The people that were in the factories making records, they were fired. But the people elsewhere, they're trying to hold on. And in a way that's the essence of the problem, those people are hanging on to their jobs.

In a way, you have to be sympathetic, but it's the same thing that happened to hand-weavers when the automatic loom was invented. It was bad news for them, but good news for the owner. And in music, the process has also changed, with digital distribution, ISPs, receivers, storage in digital devices... And the music industry hasn't been able to respond. It's understandable, but it's dysfunctional.

U.: So in the scenario for music, as you have said before, the final user increases the supply every time they copy a file, and the final good is not consumed when used. How does one make business in such an environment?

P.J.: It's quite difficult, because most economics rely on scarcity. It's about excludability and scarcity. Can I stop from listening to it? Yes. You don't have money, you can't buy it. And scarcity: if I am holding it, you can't have it. If I give it to you, I don't have it anymore. These concepts are very important. Online, neither those things occur. If I send you a copy of my file, I still have it. And you can send it to your friends and they have it. It's a very different structure, and there's no guard, no one's stopping you from keeping on copying. You can't stop the exchange, and the exchange doesn't reduce the supply. And economics is built around the allocation of scarce resources. Files are not scarce, the electricity used to distribute them may be scarce, but the files themselves are not scarce.

U.: And how does one make a profit out of music in that context?

P.J.: Well, we have to rethink that. And I don't think that the problem is about making money out of music, but monetizing the use of recorded music. We have to find a way which makes sense. That's why I came up with an "access to music" charge. It's kind of a blanket license, and this isn't new. When music came to the radio, we licensed it, when people started making records, we licensed it, when people started recording music, we licensed it. And people got paid, whether they were the writer or the performer.

U.: So the whole point is to find an agreement.

P.J.: To find a way to license actual behavior, rather than theoretical behavior. When they invented copyright they didn't imagine radio, or the walkman, any of these things. How can we make it work? That's what this whole conference is about. You may have an idea, I may have an idea, and in this room there's probably forty different ideas. And in the end we will find a way that more or less reasonably works for everyone, and that generates less problems than any other solution. Because we have a historical problem and a future problem.

There are old laws about property, copyright is very deep in our society, it's not just about music, it's about paintings, architecture, trademarks, it's about the very base of capitalist society. It's a very fundamental issue to deal with and it's not going to be easy.

U.: So if everyone has an idea about the future of music distribution, what is Peter Jenner's idea?

P.J.: My idea essentially is that we should charge based on how people receive music. So if you have a line and access to broadband in a mobile device or otherwise, you could assume that people are going to be using that for music, and make a small charge, a compensation. And that provides a floor, so whether you access the content from sites like the Pirate Bay or any other, you pay a small charge without mattering whatever amount you get. I'm thinking a price of something like one euro per month per device, per contract. It has to be based on contract because, well, we need a way to collect the money.

The problem is that there are going to be very different ways to deliver the content, such as locus services. I'd like for them to pay too, as in essence, the more ways to get it there is, the lower the price will become. If in the UK you charge one pound a month per costumer, on average, you would get 12000 million pounds a year, and the current value of the record industry is 800 million pounds. So, think about it, you could afford to make quite a lot of deductions there.

We also have to accept that there must be some equity in there, you could have a part of funds for support of cultural goods such as non-commercial music. But I think that in the end, the music that gets the most distribution, should get the most money. And how can you measure that? You could measure that by looking at the network. You don't have to see whether if I have it or you have it, just look at the traffic, and that you can measure.

U.: And in this way of monetizing music, where do the interests of the consumer, the artist and the industry meet? Because it has a certain component of intruding into consumer communication.

P.J.: In a sense we have to be grown up enough to reach a decision that basically can work. Maybe we can use government arbitration, maybe the industry could resolve it amongst themselves. You have to decide how to split the money, and that is a challenge to the music industry or any other content industry. And if we can't agree, we got to find someone to arbitrate. In the end it would have to be the government, or the judges, or someone would have to decide what is fair.

There is a very interesting essay on the subject at www.prsformusic.com, which basically translates the situation as this: There's a lake, and in the lake there's fish. And there's fishermen, and they make a living by fishing in the lake. And along comes a petrol refinery. The oil refinery is doing their job, but they are also polluting the lake. And by polluting the lake, they reduce the fish stock. And in a sense, that's what the digital recording is doing to the business industry. It boils down to that we have to find a compensation for the pollution. But that means finding objectively to what extent their business is being polluted. You can contact the ISP and evaluate it, and see how much should be paid objectively. But, this is the most important aspect of the issue, that would give the polluters an incentive to stop the pollution. The less they pollute the lake, the less they pay. They reach an agreement. It's not just a matter of me deciding "I'm worth a lot of money, give it to me". It's a matter of deciding something like "this is what my business does to your business" and reach an equity.

U.: So what you are saying is that for this new system to emerge, there needs to be more of a dialog between the parts implied?

P.J.: There will have to be more dialog. But in the end, the government has to take a view. They cannot stand by. In what is happening to the music business, the newspapers, the books, film or TV, they cannot just stand by. When someone finds the way to make three-dimensional copies of, say, spare parts for cars, or see a lamp and go "oh, I like that, I'll put a copy at my home", there's going to be trouble.

U.: So music is the tip of the iceberg, so to say.

P.J.: Absolutely. If I can reproduce a perfect copy of this bottle of water, and of the label, and fill it with water and sell it at half price, I'll destroy this company. The government has to do something, our whole economic structure is built on it. Some of the people here in the FC talks say that we need a complete restructuration of society. And that's a huge struggle, and it's one that we will probably lose. Karl Marx, Lenin, Castro... I just can't see it happening. I can see the reasoning, but I can't see it happening. And if you throw out capitalism, what are you going to put in its place?

People say "oh, it's just music, what's the hassle", and that's really wrong. Music is just a part of the whole base of society, and how we resolve the problems we have now determines how we treat the whole creative business, not just cultural works, but physical creative works, this chair, or architecture. Architecture could be pirated, plans could be put online, and I could build replicas. It's extremely important, and the government is just letting it run its own course, trying to avoid the issue saying "oh it's just music" and whatnot, but it's not just music, it's a change on the fundamental paradigm of society.

The process of digitization has started with music and books, but it ends with physical goods. And it ends up with creativity, and with chemicals, you could probably replicate any pharmacology. The government cannot stand by on such a fundamental issue. They will find they cannot control many things before too long. This affects how we structure society, and the market. And it just has started.

U.: To close the interview, tell us your view on Spain's situation in the music and copyright controversy.

P.J.: What makes it interesting to hold this conference here in Spain is that the collapse of the Spanish recording industry is spectacular. It leads the world in collapse. And a rich musical heritage is in danger, because no recording companies will invest in Spanish artists because they can't see how they will get any money back. I don't know if that's a threat or an opportunity or both, but the issue needs to be resolved if you want to keep your music creativity.

People like music most of the time because they heard a recording, or they read about it and listen to the record then. Most people haven't seen the artists live. The act of recording itself is the base of a lot of our music and film industry, it creates a whole market that raises standards. Without it we become more provincial. They won't know what's happening in Madrid, or Barcelona or Valencia if you don't have recordings. Eventually people will go to some or another gig, but in the long term it's a large problem. And Spain is the first canary in the mine, because it's perceived by the record industry as to have collapsed. In the rest of the world they say, "if we're not careful, we'll end up like Spain".

And this collapse is going to be used as a reason to clamp down on the Internet, and that's a real problem. If we don't resolve it, they're going to clamp down on it everywhere, and that's going to be very damaging in the long term for our social and economic health. It will be a disaster. Clamping down on it is not the solution. We have to find a way to monetize the use, and that implies looking at what people want and what they do, and that implies moral rights. You just can't escape it. What do we do with moral rights such as privacy? I think that's the final question, and I'll leave that for you to answer.

Desidia Veraniega 2, la venganza.

2010-08-04T15:19:00.000+02:00

¡Agosto! Es un momento en el que los medios se nutren de noticias de relleno -en las que se tira de estadística o famosete, instando más o menos a la vergüenza ajena de un servidor-, la televisión es un poco más insulsa de lo habitual y la cartelera da pena de ver (excepto en contadas ocasiones). Aprovecho -como ya hice el año pasado- para ofrecerles un micro-post con algunos hallazgos de las últimas semanas.

Quiero uno de estos Surface ya. El año pasado se vio la primera provocación con un Dungeons and Dragons para este dispositivo, y ahora se atreven con el juego de mesa de autor más popular. El problema es que no tienen ni tan siquiera precio final, están destinados a hoteles y demás establecimientos por el estilo, y ni se huele la posibilidad de una versión para el consumidor medio. Tiempo al tiempo.

Un muy interesante documental sobre el pixel art, con puntos tan interesantes como la paradoja de que aunque este estilo se considere retro, no se ha podido apreciar la nitidez del píxel hasta que hemos dispuesto de los medios originales que lo usaban en monitores de alta definición. ¿O acaso ustedes podían distinguir los píxeles de Mario en su tele de catorce pulgadas? Yo tampoco.

Y por último, dos momumentos al cine, que descubrí por medio de un gran amigo. Tarantino contra los Coen, y Kubrick contra Scorsese. No se me asen con el sol de agosto, nos leeremos en septiembre.

Por cierto, aún me tengo que ver Lost. A ver si este verano...

Infección

2010-07-21T00:39:00.000+02:00

Revisité hace poco 28 Días Después, al encontrarla por casualidad a muy buen precio en DVD. Les dejo mi crítica de esta, a mi entender, joya del cine de terror actual.

28 DÍAS DESPUÉS

Dirección: Danny Boyle. País: Inglaterra. Año: 2002. Duración: 113 min. Género: Terror. Interpretación: Cillian Murphy (Jim), Naomie Harris (Selena), Brendan Gleeson (Mark), Megan Burns (Hannah), Christopher Eccleston (Mayor Henry West). Guión: Alex Garland. Producción: Robert How y Andrew Macdonald. Música: John Murphy. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Montaje: Chris Gill. Dirección artística: Mark Digby, Rod Gorwood, Patrick Rolfe. Vestuario: Rachel Fleming. Distribuidora: 20th Century Fox. Estreno en Inglaterra: 1 Noviembre 2002. Estreno en España: 18 Julio 2003.

La idea moderna de zombi es básicamente fruto de la mente de George Romero, que con el éxito de su "Noche de los Muertos Vivientes" fijó en 1968 al monstruo en el imaginario popular. Pero sobre todo, el cine de zombis es fruto de su tiempo. La visión de Romero del zombi como crítica exacerbada de la sociedad de consumo, del miedo al otro entre los últimos estertores de la guerra fría, de los estragos de Vietnam. El 2002 Danny Boyle, revulsivo del cine inglés desde "Trainspotting" reinventa el arquetipo del zombi con la película que nos ocupa: "28 Días Después".

La película de Boyle es fruto de su propio tiempo, rodada a la sombra de unas torres gemelas recién caídas, en una Inglaterra atenazada por las amenazas de bomba. "28 Días Después" propone una caída de la civilización sin muertos vivientes que consumen a los vivos, sino con enfermedades de diseño salidas de un laboratorio; dónde la sociedad no está a punto de caer en la desidia de los difuntos sinó que ya se ha precipitado en una espiral de violencia y rabia puras. Una sociedad en una quiebra que ni el gobierno ni el ejército supieron detener. Un apocalipsis Hobbesiano en el que el hombre es el lobo del hombre. El arraigo de la película en la actualidad de su momento está presente desde el montaje de falsos noticiarios de sus primeros planos hasta en la urbe desierta: el vacío opresivo e inquietante de una Londres como no se había visto nunca, con sus plazas empapeladas con fotos de seres queridos desaparecidos, atravesada por el protagonista solitario en un inicio brillante que recuerda a "El día de los trífidos", de John Wyndham. Pero las experiencias previas de Boyle con el formato digital - "Strumpet" y "Vacuuming completely nude in paradise", ambas para TV- son lo que marca la característica más interesante de "28 Días Después" más allá de su temática y en un plano más formal.

En un retorno al verismo de las primeras obras del director, la película está filmada en su práctica integridad en formato Mini DV -empleado en vídeo doméstico o en labores periodísticas-, dándole un aire, según el propio director, de documento gráfico de la catástrofe. La crudeza de la imagen de las cámaras digitales, juntamente con el uso de ángulos y encuadres torcidos y cerrados -los únicos planos amplios sirven para remarcar la soledad de los protagonistas-, dan al film una textura de realismo que contribuye a su proximidad al espectador, haciendo que "28 Días Después" haga lo mejor que puede hacer una película de terror: atrapar a su espectador. La pericia de Boyle en el uso de formatos poco ortodoxos para su momento queda aún más claro en la secuencia en la que Cillian Murphy -en el papel que le descubrió- recuerda a sus padres, en un plano subjetivo filmado en el formato doméstico por excelencia, el Super 8.

La otra característica que cabe destacar del film es su excelente banda sonora, obra de un John Murphy que crea un ambiente opresivo y da al cine de horror un tema icónico con el tema principal de la película, que se reutilizaría y ampliaría en su secuela -y en una secuencia concreta de la tremenda "Kick-Ass"-. La banda sonora pasa de la calma a un crescendo ensordecedor, llevando -arrastrando- de la mano al espectador al apocalipsis imaginado por Danny Boyle.

"28 Días Después" es sin lugar a dudas uno de los films imprescindibles del género en su década, y aunque no sea la fundación del cine zombi, es una refundación más actual, que ha dado pie a obras tan interesantes como la catalana "[REC • ]". Absolutamente imprescindible.

PS: ¡No puedo esperar al estreno de Inception! Nolan se propone convertirse en el próximo Kubrick. Espero que lo consiga y sobretodo que ello nos depare buen cine.

La amplitud es un color, la frecuencia una forma.

2010-07-03T16:53:00.001+02:00

Diego Stocco es un diseñador de sonido que ha trabajado, entre otras cosas, con Hans Zimmer en la banda sonora de la reciente Sherlock Holmes o la música de The Conduit.

Y es luthier. Capaz de hacer música con un bonsai o un tendedero de ropa. Es una muestra de talento sinceramente impresionante que no puedo hacer más que compartir con mis lectores. Que la disfruten.

Este instrumento (¿Cuatro mástiles en un contrabajo doble? Es lo más metalero que he visto en mi vida. Seguro que Wagner habría matado por uno de estos) tiene su propia pieza musical: The Experibass Suite.

La vejez de lo nuevo o la exaltación del yo

2010-06-20T13:19:00.000+02:00

Tom Wolfe analiza su relación con el Nuevo Periodismo al mismo tiempo que lo define y recopila lo mejor del género, en un ejercicio de selección que es a la vez la mayor virtud y el peor defecto del texto.

"El nuevo periodismo" Tom Wolfe. Ed. Anagrama en Barcelona el año 2000, col. Contraseñas . Primera edición, octava reimpresión, tapa blanda, 224 páginas, 10,45€, ISBN 9788433912022

Estamos ante una recopilación, un manual, un ensayo, pero sobretodo delante de una declaración de principios. Tom Wolfe, nacido en 1931 en Richmond, Virginia, es considerado muchas cosas, y se autoproclama muchas otras, en algunos casos coincidiendo ambas atribuciones. Se ha dicho de él desde que es un reaccionario -después que declarara abiertamente su admiración por George W. Bush o de que comparara llevar una insignia con la bandera norteamericana en la solapa de su traje a "llevar una cruz contra los hombres lobo" en una entrevista concedida el 2006 al Wall Street Journal- a que es un visionario, o el inventor del llamado Nuevo Periodismo. Desde luego, lo que nunca se le ha llamado es modesto.

En el libro que nos ocupa Wolfe nos ofrece un texto dividido claramente en dos partes: un ensayo sobre la naturaleza del Nuevo Periodismo -conteniendo un apéndice que define claramente las características del género- y una selección de artículos que ejemplifican estas características. Cabe, antes que nada, contextualizar el contenido del libro y sobre todo situarlo en el tiempo. Los artículos reunidos, así como el espacio de tiempo que trata el ensayo previo, están fechados en la década de los sesenta. Los sesenta americanos, los sesenta de los hippies, del movimiento pacifista, del auge del feminismo, de la lucha por los derechos civiles de las minorías, del rancio Sur, de la carrera espacial que llevaría el 1969 a Armstrong a la Luna y de Vietnam. No cabe duda que semejante entorno afectaría a una profesión tan en contacto con la realidad -idealmente- como el periodismo, y el llamado Nuevo Periodismo es el resultado de esta interacción.

El autor desgrana en el ensayo que abre el libro la facilidad con la que uno se podía dejar llevar por estos movimientos, quizás escribiendo con la idealización nostálgica que conlleva recordar el pasado -el libro se escribió a mediados de los años setenta-, sobre la inmersión que algunos periodistas empezaron a emplear para reflejar esos cambios sociales en sus artículos. Gay Talese, Jimmy Breslin y muchos otros son el objetivo de las alabanzas de Wolfe, que de paso se cita a sí mismo con más o menos rubor en varias ocasiones. Nos describe la extraña fiebre de la que eran presa los periodistas de éxito, La Novela.

Esa novela en mayúsculas en la prosa del autor, que va desde lo pirotécnico en los adjetivos hasta el uso creativo de los signos de puntuación, llegando a un paroxismo de galicismos afectados y tiras verborreicas de nombres propios en "La izquierda exquisita". Esta Novela que se supone la cima, y que según el propio Wolfe sería destronada como "máximo exponente literario" por el Nuevo Periodismo.

Wolfe arremete una y otra vez contra el establishment literario, yendo desde la descripción de las clases, o casi castas, en las que según él los novelistas -máximo exponente del estancamiento y la afectación- dividen a todo aquel que escribe. No deja de resultar gracioso como Wolfe acusaba a los académicos de vivir encerrados en sus torres de mármol y de ser "Caballeros Literatos con un asiento en la Tribuna", cuando su actitud con respecto al periodismo en las nuevas tecnologías le lleva a publicar lo siguiente el 2007 en el Wall Street Journal tras definirse él mismo en el encabezado del artículo como "novelista":

"Hace cuarenta años (Marshal McLuhan) dijo que la tecnología moderna de comunicaciones convertiría a los jóvenes en primitivos tribales que no harían caso a las noticias objetivas sino al sonido de los tambores, los rumores. El universo de los blogs es un universo de rumores, y a la tribu le gusta así. No leo blogs porque estoy cansado de chillidos narcisistas."

En cualquier caso, en este ensayo y su posterior apéndice Wolfe define el Nuevo Periodismo en base a sus características: la construcción por escenas, la captura total y literal del diálogo, el uso de puntos de vista narrativos, y la atención al detalle más ínfimo. Tras definir claramente las características del género y referenciarlas en varios textos -más de uno de su propia autoría-, llegamos a la segunda parte del libro, la antología de artículos.

Y qué antología. Desde "A la rica marihuana y otros sabores" de Terry Southern a "La dolce Viva" de Barbara L. Goldsmith encontramos textos que ejemplifican y dan cuerpo -se diría que casi justifican- la perorata de Wolfe en el ensayo inicial. Los autores de estos artículos nos sitúan de una forma visceral en escenarios como un helicóptero sobrevolando la jungla vietnamita o un campus de majorettes. Y realmente nos sentimos allí. La selección de estos textos es magistral en su calidad, y en los paralelos que se establecen entre algunos de ellos, como "¿Duerme usted desnuda?" y "La dolce Viva", que nos ofrecen dos relatos diametralmente opuestos pero a la vez con puntos en común de la vida tras las cámaras de una actriz famosa. Son todos estos textos muestras de sordidez, de tangibilidad, en resumen, de experiencia personal e inmediata. El único problema que se puede acusar en estos textos es su edad.

Sin perder nunca de vista que son todos ellos piezas informativas, es fácil para el lector actual que se escape esta dimensión. El lector actual no vivió la época hippy, no presenció los discursos de Nixon por la televisión ni siguió la guerra de Vietnam en los medios. El nombre de Andy Warhol -y su Nuevo Arte, término que no deja de recordar a la visión de Wolfe del Nuevo Periodismo- es un vago recuerdo en una nota a pie de página de un libro de texto. Pero no obstante siguen siendo estos relatos una manifestación de periodismo. Porque sus autores estuvieron allí, no solo para registrar e informar del evento, sino para vivirlo. La prosa empleada en estos artículos es directa, impactante, y en algunos casos casi hiriente, pero siempre clara, nos transmite, más allá de la noticia, la vivencia.

Esta selección de textos es sin duda alguna la parte que lleva el peso del libro. Donde el ensayo inicial de Wolfe llega a ser plomizo y da la impresión de que el autor se está ensalzando a sí mismo en cada línea -de hecho, mientras que autores como Capote o Hunter S. Thompson rehuyeron la etiqueta de Nuevo Periodista, Wolfe no pierde tiempo en asumirla como propia-, los textos recopilados son piezas periodísticas impecables, se diría que fotografías en letra impresa. Habría que imprimir claramente en la portada de "El nuevo periodismo" los nombres de Robert Christgau, Norman Mailer, Terry Southern y el resto de contribuyentes de la antología, puesto que aunque Wolfe seleccionara y comentara estos textos, esta selección hace que su propia contribución al libro palidezca.

Es de suponer que esta crítica será impopular, pero siempre se podrá decir que esta impopularidad se debe a que los Novelistas y Establecimientos Académicos Afines no la entienden por lo rabioso de su lenguaje o lo impactante de su veredicto sobre un autor consagrado. Probablemente, si el texto fuera suyo, Tom Wolfe lo defendería así.

Machete

2010-05-07T17:04:00.001+02:00

Lo que era un falso trailer para el proyecto Grindhouse de Tarantino y Rodríguez, será por fin un largo completo. Y será de bajo presupuesto, pero en fin, no se pierdan ni el reparto ni el tráiler oficial:

El orígen del terror

2010-04-18T16:06:00.006+02:00

La página de vídeo de Destructoid ha puesto a disposición de sus lectores el making of de uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos, Silent Hill 2. Este juego, del que he hablado con anterioridad, se podría decir sin miedo al error que es una de las cumbres de la narración en el medio. Todo en Silent Hill 2, desde sus escenarios hasta sus personajes, pasando por el guión o la excelente banda sonora, produce un todo cohesionado, que aísla al jugador y lo pone en la piel del protagonista, James Sunderland, y le hace partícipe de su particular descenso a los infiernos. Sin más, les dejo aquí los cuatro vídeos del making of. Obviamente, les advierto que hay spoilers para quién (aún) no lo haya jugado.

PS: Por algún motivo que escapa a mi comprensión, el embed desde la página de Destructoid no funciona. Les dejo los vídeos desde Youtube. No se preocupen que los de Destructoid tampoco estaban en alta definición.

La ironía

2010-04-16T15:33:00.001+02:00

No se le escapa a nadie.

Hormigón armado

2010-04-13T16:06:00.002+02:00

Tekkonkinkreet

Dirección: Michael Arias. País: Japón. Año: 2006. Duración: 111 min. Género: Animación. Guión: Anthony Weintraub; basado en el manga del mismo título de Taiyo Matsumoto. Producción: Eichi Kamagata, Eiko Tanaka. Música: Plaid. Dirección de arte: Shinji Kimura. Montaje: Mutsumi Takemiya. Distribuidora: Sony Pictures. Estreno en Japón: 23 Diciembre 2006.

Tekkonkinkreet es, en su título, un homenaje a la infancia: se trata de una pronunciación incorrecta, infantil, del término japonés para el hormigón armado, "tekkin kônkurit". Y aunque sus temas van más allá de la veneración de la infancia -tan presente en la obra de otros directores como Miyazaki-, la infancia tanto en la edad de los protagonistas como en su relación con el ambiente que los rodea, es una de las características que más salta a la vista de la película.

Este homenaje lo lleva a cabo un director inusual en el panorama del anime japonés, Michael Arias. Arias, como es de deducir por su nombre, no es nativo de Japón, pero es un profesional curtido: cuenta con una extensa carrera como animador y técnico de efectos especiales. Su salto a la animación se dio con un proyecto tan atípico como The Animatrix, que también le supuso un contacto directo con equipos de animación japoneses. Y dentro de Animatrix, vale la pena fijarse especialmente en uno de los cortos, Beyond:

Cuanto menos, en este vídeo del corto producido per el Studio 4º C, que más tarde también produciría Tekkonkinkreet, se pueden ver muchos de los elementos que marcarían la película que nos ocupa: la estética de los edificios de la era Showa, la animación dinámica y casi esbozada sobre fondos estáticos con gran detalle, y el sentido de la maravilla de los niños jugando en las calles. Otros de los elementos que marcarían la película, además del manga en que se basa -obviamente- sería el momento en que el director lo leyó. Según el propio Arias:

"Era un momento extraño en Japón: justo después del terremoto de Kobe y durante los ataques con gas sarín de la secta Aum. Helicópteros sobrevolando la ciudad, policía en las calles, yakuzas matando a miembros de la secta en la televisión. Realmente extraño. Pedí a un buen amigo que me recomendara lectura, y me dio los volúmenes de Tekkonkinkreet, que acababa de salir. Me enganché. Desde la primera ilustración de Blanco y Negro observando la ciudad. Era tan real, era tan paralelo a nuestro vecindario, con el ruido de los helicópteros, unos días casi preapocalípticos... Me hizo llorar, que es algo que nunca me había ocurrido con un manga."

Todo esto se funde en un relato sobre la madurez, sobre el paso del tiempo, y en cierta medida, sobre la espiritualidad humana. Grandes temas, que a priori pueden parecer demasiado elevados, pero que Arias soluciona con maestría en su película, aunque en algunos puntos se desdibuje la trama en favor de la exageración más propia del shonen.

La película dibuja antes que nada un escenario, Treasure Town, que es fácil ver como la ciudad ideal para sus habitantes: llena de vida, mezcla de culturas, pero a la vez apiñada y ligeramente decadente, una versión luminosa y pletórica de las metrópolis de películas como Blade Runner. No hay ni un solo espacio vacío en una ciudad que es reflejo de todo lo que ha venido antes de ella. Esta ciudad, y sus connotaciones, serán determinantes para la trama de la película, en sus dos líneas argumentales más claras.

Tekkonkinkreet dispone de un elenco de personajes extenso, pero sus dos líneas argumentales más importantes vienen definidas por tres personajes: Blanco y Negro, huérfanos que viven de los pequeños robos en las calles de la ciudad, y Kimura, un aprendiz de yakuza que está a punto de ver su vida trastocada por el cambio de la ciudad y el embarazo de su novia.

Blanco y Negro, la primera pareja protagonista del film, son dos huérfanos con carácteres totalmente opuestos: Blanco es aniñado e inocente, mientras que Negro es más cínico y violento, realista, incluso se llega a decir de él que "ha perdido la fe en la humanidad" y que Blanco es lo único que lo mantiene cuerdo. Este dúo permite también darle otra lectura más a la película: la relación de Negro -pragmático, enfrentado a privaciones y luchando constantemente por la supervivencia- con Blanco -infantil, distante, irracional a veces, pero a la vez fundamentalmente sabio y feliz- traza un paralelo muy claro a la relación entre la humanidad y lo divino; una relación difícil y llena de paradojas.

Esta metáfora se ve reforzada por varios elementos de la película, desde el encuentro y el cuidado de una semilla de manzano por parte de Blanco, al propio discurso del personaje, que es un ejemplo perfecto del tópico narrativo del loco iluminado -visto en otras partes, como por ejemplo en Cube- . A la vez, Blanco cuenta con su propio profeta, un veterano de guerra indigente que media entre él y Negro cuando se distancian en su relación. No es baladí la mención a la Casandra del mito griego en uno de los diálogos sostenidos entre Negro y este personaje.

El otro eje temático de la película, el paso del tiempo, el paso de la adolescencia a la madurez, se ve encarnado en Kimura, un yakuza aspirante, atrapado entre las viejas costumbres de la yakuza, reflejadas en Nezumi -"rata" en japonés-, su mentor y profeta particular, y los nuevos usos de la mafia japonesa y del mundo, que se cristalizan en un personaje llamado significativamente Hebi, "serpiente". Kimura además se verá forzado a dar un paso adelante en su vida cuando se entere que su novia está embarazada y que va a ser padre.

La primera mitad de la película establece estos dos ejes temáticos, con las andanzas de los tres protagonistas y la explicación de la historia de Treasure Town, que se convierte a través del trabajo de los fondistas del Studio Ghibli -en una colaboración que se deja notar- en otro más de los personajes de la cinta, que se puede mostrar amenazador o calmado, pero siempre bello, que se compara a la Babel bíblica:

El segundo acto, la entrada del conflicto, se ve forzada por la aparición del ya antes mencionado Hebi, que pretende recalificar gran parte de Treasure Town para enriquecerse construyendo un parque de atracciones. Este personaje propone el conflicto para los tres personajes principales de la película: necesita de la eliminación de Blanco y Negro, a los que amenazará directamente, quiere acabar con el modus operandi tradicional de la yakuza, que apartará a Kimura y Nezumi de su cúpula, y pretende pervertir el propio sentido de Treasure Town convirtiéndolo en un parque de atracciones, espectacular y lleno de luz, pero planificado y vacio de toda espontaneidad, una versión edulcorada de este Edén.

Este conflicto se irá extendiendo, hasta ser inevitable para todas las partes, forzando el enfrentamiento en un tercer acto apoteósico, en el que la animación del Studio 4º C se convierte en algo más experimental, atreviéndose con las acuarelas, jugando con trazos de inspiración infantil, y desdibujándose como la mente de los personajes al replantearse su modo de vida, su relación con Dios.

Con todo, Tekkonkinkreet es una película de animación con una estética original, atípica, que combina en su diversidad de estilos y referencias el alma de una ciudad en constante cambio, y la vida de unos personajes atrapados en este ciclo. Desde el guión, hasta la música, pasando por la expresividad y el dinamismo de la animación, es probablemente uno de los productos más interesantes en el campo de la animación japonesa, más allá del ya canonizado Miyazaki. Dos horas de fondo y forma, en una película que puede ser tan profunda como desee el espectador, un purgatorio colorista y abigarrado.

Dios es un niño de once años y el Raval es el Jardín del Edén.

Hormigón armado : previa

2010-04-09T19:33:00.001+02:00

Les dejo aquí unas imágenes de Tekkon Kinkreet -la pronunciación infantil de "tekkin konkurit", hormigón armado en japonés- , una cinta de animación poco menos que imprescindible sobre la que tengo un artículo a medio cocer.

Duración cero.

2010-04-04T00:40:00.000+02:00

Hago un descanso en mis vacaciones -viva la paradoja- para llamar su atención sobre el nuevo vídeo de Reflexiones de Repronto, sobre cultura, contracultura, temporalidad y permanencia. Espectacular como siempre.

Una mirada a lo que está por venir

2010-03-18T17:22:00.002+01:00

O lo que es lo mismo, remesa de vídeos, trailers y demás miscelánea que me ha llamado la atención últimamente. Ahí van, sin ningún orden en particular:

Un sneak peek al remake de Predator de Robert Rodríguez. Cuantas cursivas en una sola frase.

El tráiler definitivo de la versión de Ridley Scott y Russell Crowe de Robin Hood, ahora con más Galadriel:

El primer tráiler (¿Sabían que "tráiler" está reconocido por la RAE como sinónimo de "avance" en sentido cinematográfico? Uno más para los compañeros del "güisqui") de la segunda parte de la mítica Tron.

El avance -viva la corrección lingüística- definitivo de Iron Man 2. Huelga decir nada más:

The Mechanic, un remake de una película de Charles Bronson matando a gente, con Jason Statham y Ben Foster matando gente. Tiene tanto aroma a subproducto que mola.

Hay algo profundamente posmoderno en el siguiente vídeo: las mentes privilegiadas de The Escapist, una de las mejores publicaciones serias sobre entretenimiento de la web, juntan a cuatro pornstars, una stripper y una peluquera y les montan sesiones de Dungeons and Dragons en lo que prometen será una serie quincenal. En fin, el invento se llama I hit it with my axe y no tiene desperdicio:

One button Bob es un juego flash que hace un ejercicio, como su nombre indica, de jugabilidad de un solo botón. Recuerda a Canabalt, del que ya hablé, pero es algo más elaborado.

Scratch to win es un curioso ejercicio de control en un juego flash: se controla íntegramente con la rueda del ratón, propone una mezcla de manipulació de ruedas, molinos o el mismo tiempo, todo al ritmo de Alicia en el País de las Maravillas y una canción de Gorillaz.

Que los disfruten, damas y caballeros. No pierdan demasiados ratos de sueño o trabajo por mi culpa.

Alta y baja cultura

2010-03-16T12:25:00.003+01:00

Absolutamente impresionante el nuevo episodio de Reflexiones de Repronto que trata sobre la Alta y Baja Cultura -así, en mayúsculas-. Serán probablemente los diez minutos mejor invertidos en ver un vídeo de esta semana.

Move: La apuesta de Sony

2010-03-15T14:19:00.003+01:00

Se celebra estos días el Game Developers Conference en San Francisco. Como es de esperar en un evento de estas características, hemos asistido a lanzamientos, revelaciones, anuncios y demás propaganda a la que nos tiene acostumados la industria, pero si hay algo que destacar (más allá del trailer de Deus Ex 3, pero esto es una debilidad del redactor) es el anuncio de lo que será la apuesta más fuerte de Sony para esta temporada, el Move.

Es obvio que no va a dejar a nadie indiferente. El nuevo mando de Sony es una evolución del mando de Wii, con mayor cantidad de sensores (seis, incluyendo un sensor de campo electromagnético terrestre -no, yo tampoco sé lo que es-) y una esfera luminosa que combinada con la cámara Playstation Eye (que es necesaria para el uso del dispositivo) permite un posicionamiento exacto del usuario en el juego, además de ofrecer posibilidades de lo que se viene configurando como la nueva tendencia en el mundo del videojuego, la realidad aumentada.

El dispositivo plantea una serie de preguntas que ya se comentaron cuando apareció la Wii, como la necesidad -o no- de un mando en la interacción usuario-juego, o la viabilidad de la propia tecnología. La primera es aún objeto de debate, y lo será aún más con la presentación del proyecto Natal de Microsoft, pero la segunda ya ha sido contestada con el éxito arrollador de la Wii de Nintendo. La propuesta de Sony, sin embargo, es fiel al posicionamiento de mercado de la PS3: en una entrevista concedida a Público, Richard Marks, el ingeniero a la cabeza del proyecto, ha declarado que la tecnología del Move se pondrá al servicio tanto de opciones más casuales de juego -como por ejemplo un software de tenis mesa- como de juegos más en la línea hardcore como Socom 4, uno de los primeros títulos de la PS3 que será compatible con Move, aunque la compañía ha asegurado que de ahora en adelante todos los títulos que se lancen para su consola serán compatibles con control tradicional y Move.

Es seguro también que Move creará polémica por sus semejanzas con la tecnología de la Wii de Nintendo, que no se limitan a lo comentado hasta ahora, sino que se extienden a la inclusión de un segundo mando o "nunchaku" como el de la consola de Nintendo, o un catálogo de juegos inicial que recuerda bastante a software similar en Wii, como por ejemplo el ya comentado juego de tenis mesa o un juego de combate de gladiadores parecido (aunque mejorado) a la modalidad de kendo de Wii Sports Resort.

Sin embargo, Sony ya ha anunciado que más de 30 desarrolladores están trabajando en títulos compatibles con Move, y no contenta con anunciar eso, ha hecho otras afirmaciones que dejan claro que el proyecto está muy avanzado: la primera es que el producto se lanzará este mismo otoño, y la segunda que su precio no llegará a los cien dólares (unos setenta y cinco euros).

Queda por ver solo el éxito de este nuevo mando. Aún así, visto el éxito de su predecesor evidente, el Wiimote, hay pocas dudas de que el periférico de Sony será aceptado sin mayores problemas por la comunidad de jugadores. Otro factor que podría ayudar a Move a situarse por encima de la tecnología de Wii, aparte de la superior potencia técnica de la PS3, es la mayor confianza en licencias de terceros de la consola de Sony. A todo el mundo le hace gracia ver a Mario jugando a tenis, pero con desarrolladores como Capcom o Konami embarcados en proyectos para Move cabe esperar que este otoño podamos lanzar hadokens con Ryu o hacer que Solid Snake inmobilice a un soldado enemigo usando nuestras propias manos. Como siempre, el tiempo dirá. Les dejamos con una serie de vídeos de las tech demos de Move en la Game Developers Conference:

Trailer de Move

The Shoot

Slider

Move Party

Move Fighter

Interacción con Little Big Planet

Gladiator Duel

Más allá de la Niebla

2010-03-03T12:42:00.004+01:00

Avanza entre las ruinas, apartando los escombros de una civilización olvidada con cada paso, ladrillos rotos de una piedra gris y porosa, restos astillados de puertas y barricadas podridas y derribadas largo tiempo atrás. Los únicos sonidos que le acompañan son el repiqueteo de la vaina de su espada contra su cadera, el quejido constante y apagado de los escombros que pisa y el distante murmullo de los truenos, que llegan de una tempestad perdida en los confines de un cielo gris y preñado de nubes, de una luz mortecina e informe que se debate por ser tan siquiera una sombra del amanecer de otros tiempos. La frialdad de la niebla se le pega a la piel, y con cada caricia de los jirones de bruma, la condensación se acumula en las junturas de la pesada armadura. El jubón acolchado de debajo de las placas está empapado, y entorpece su movimiento, arrebatándole el poco calor que le queda en el cuerpo. Con paso titubeante, pero inflexible, atisbando el camino por encima de su escudo, que sostiene con el brazo izquierdo en un acto entre el estoicismo y el desafío, deja atrás la serpenteante senda de rocas, y pisa la cima.

Lo que queda del templo se recorta contra la niebla, insinuándose más allá de un llano salpicado por montículos astillados de huesos humanos, pálidos y relucientes por el rocío acumulado. Se acerca lentamente, sopesando su espada en la mano derecha, apretando los dedos para desentumecerlos en torno a la empuñadura. Oye el rumor de los ladrillos que caen de las paredes del templo, como granos de arena en un reloj que marca inclemente la llegada del olvido. Andando con cautela, se acerca a uno de las pilas de huesos, de menos de medio metro de altura. Los huesos, colocados descuidadamente sobre una coraza de placas, están limpios, aunque algunos están rotos y vacíos. Los envuelven los restos de un jubón, deshecho por el tiempo y la humedad. El cráneo, desprovisto de su mandíbula inferior, corona la pila en un ángulo oblicuo contra el suelo, las órbitas oculares dirigidas hacia el cielo indiferente.

Entonces lo ve, la más tenue luz, un jirón de niebla que se detiene en las órbitas del cráneo, que se arremolina sobre sí mismo, movido por un viento ausente, el aliento de los muertos que se agita. la pequeña nube de niebla se detiene y brilla con un leve fulgor azulado, enfermizo. Demasiado tarde, la pesada bota de combate desciende sobre el cráneo, con un crujido satisfactorio, una y otra vez, con un vigor impensable hace unos segundos, hasta que el cráneo no es otra cosa que una masa irreconocible de astillas sobre la pila de huesos. El jirón de niebla del ojo del muerto se dispersa, deslizándose sobre los restos de un escudo y una espada olvidados en el suelo.

Vuelve a levantar su escudo, gira la espada en su mano derecha, comprobando su equilibrio. Se detiene tras dar un paso. Rodeándole, puede ver decenas de luces como la que acaba de extinguir. De los nichos en las paredes del templo, de entre los restos de madera, desde las pilas de huesos, desde debajo de los cascos de otros valientes de antaño, la mirada de los muertos se cierne sobre él. En el cielo retumba un trueno, y del portal del templo le llega un estremecimiento, un olor, a sangre y a tierra mojada, a la osadía de los vivos y el rencor inconsolable de los muertos.

La penumbra del interior del templo se agita, y con movimientos pesados se alza de él una figura abotargada, más alta que dos hombres subidos uno encima del otro, e igual de ancha. Una criatura vagamente humana, negra como la roca cubierta de musgo del templo, abotargada, una vaga parodia de un hombre, de vientre hinchado, piernas cortas y retorcidas y brazos largos y simiescos. Bajo la piel de la cabeza del ser se intuyen fragmentos de hueso, dispuestos formando una grotesca parodia de una calavera humana. Levanta su cara, reconociendo satisfecho la luz mortecina, y abre en silencio su boca, erizada de dientes negros y astillados. Los fuegos fatuos de los montículos de huesos se arremolinan en las cuencas de los ojos de la criatura, con un resplandor renovado, y sobre un blasfemo tercer ojo en medio de su frente. Avanza añadiendo el rumor sordo de sus pasos al retumbar del trueno de la tormenta, su mirada fija sobre la forma armada de un escudo y una espada en la llanura, hambriento, deseando sumar el alma del recién llegado a la luz de su cráneo.

El primer golpe de la criatura le rompe el escudo, lanzándole salvajemente al suelo, rechinando los dientes para contener el dolor del brazo, doblado en un ángulo imposible. Hincando la espada en el suelo y apoyándose en ella, se levanta dispuesto a esquivar los golpes de la criatura. El siguiente envite de sus negros brazos es esquivado diestramente, con un alarde de velocidad desesperada. Tomando la espada con rencor, con rabia, hiende de una estocada el vientre de la criatura, empujando la espada hasta que los gavilanes de la empuñadura tocan la negra piel de la cosa. Tira infructuosamente de la empuñadora, y lo último que ve es un agujero con los bordes erizados de púas negras y astilladas, con tres faros de una luz azulada encima, refulgentes con el vigor de un fuego aventado.

Después oscuridad, y un girón de niebla contra el cielo gris.

Le despierta voz de la Doncella de Negro. "Habéis vuelto, asesino de demonios. Tomad lo que queda de vuestra alma, y que vuestra fuerza cure al mundo."

La voz le arrastra, le dirige, y el caballero se levanta, bajo la mirada de la Dama, extrañamente bella, descalza sobre la piedra fría, con los ojos cubiertos por dos sellos de cera gris y envuelta en una mortaja. Se dirige, entero de cuerpo pero roto de nuevo, hacia la puerta del templo de la Dama, hacia el camino serpenteante. Desenvaina su espada y levanta su escudo, con determinación y fatalismo. A curar al mundo, más allá de la Niebla que lo envuelve todo.

Demon's Souls (PS3)

Desarrollado por From Software, distribuido por Atlus.

Rol, acción

Actualmente sólo disponible en Asia y Estados Unidos, lanzamiento en Europa por confirmar.

Un nuevo diseño

2010-03-01T16:22:00.003+01:00

Pues parece que sí que necesitaba una mano de pintura esto, sí. Sus lamentos y exclamaciones de "tú antes molabas" en los comentarios. Y de regalito una reflexión sobre las reformas:

Arte en diez segundos

2010-02-28T12:13:00.001+01:00

A estas alturas, la mayoría de ustedes habrán oído hablar de Passage, uno de los primeros "art games" que se hizo famoso en la Red. De hecho se lo ha comentado en blogs que van desde Rock, Paper, Shotgun a Destructoid o la patria Mondo Pixel. Pues bien, aquí les dejo la reflexión más inspirada que he leído hasta ahora sobre el juego, y que además es jugable.

Viva Internet

2010-02-27T13:57:00.003+01:00

Por cosas como esta:

Sí, es sábado por la mañana, y no tengo nada mejor que postear.

Giro

2010-02-22T02:29:00.006+01:00

Descubro por la más pura de las casualidades este corto de animación: Pivot. Resulta curioso que no esté nominado al oscar por encima de productos menos logrados como Logorama. En cualquier caso, disfruten del corto y de su animación -explosiva, rápida, dinámica, sintética- que, una vez más, demuestra que la sombra de Saul Bass es alargada:

Si les ha gustado, hay un magnífico press kit disponible para su descarga en la web original, con arte conceptual y más información.

Ordeno y Mando

2010-02-22T02:10:00.005+01:00

En un acceso de generosidad corporativa, Electronic Arts ha convertido los primeros títulos de la saga Command and Conquer en freeware. Es más, se pueden descargar desde los servidores de la firma. Es una gran oportunidad para disfrutar de los títulos que sentaron las bases del RTS -a saber, Real Time Strategy- en PC, con el permiso de las sagas Warcraft y Starcraft de Blizzard.

Los padres de la saga, Westwood Studios, fueron uno de los últimos estudios independientes de desarrolladores para PC que sucumbieron al dominio de las grandes distribuidoras, como Electronic Arts, que les adquirió -y cerró- el 2003. Posteriormente, la mayoría de integrantes del estudio dejarían la multinacional para fundar Petroglyph Games. Junto con estudios como Bullfrog -autores de títulos ilustres como Populous, Syndicate, Dungeon Keeper o Theme Hospital- el estudio fue uno de los equipos de desarrollo para PC que marcaron los noventa. Westwood fueron los creadores de sagas como Lands of Lore o Legend of Kyrandia, pero entre todos sus proyectos destaca Dune II: The building of a Dinasty.

El juego, inspirado libremente en la saga Dune de Frank Herbert, sentaría las bases tanto para el modelo de estrategia en tiempo real en torno a la recolección de recursos -que sería el usado, de una forma más o menos compleja, hasta que apareció el concepto de captura de puntos de control en juegos como Company of Heroes o Dawn of War- como en otros aspectos como el árbol de desarrollo tecnológico -dónde construir ciertas estructuras nos da acceso a sucesivas unidades militares mejoradas o ventajas- o el interface, que se ha mantenido más o menos igual hasta títulos recientes como Red Alert 3.

Posteriormente Westwood abandonaría la franquicia Dune, aunque después lanzara títulos como Dune 2000 o Emperor of Dune, meras actualizaciones gráficas del original del 92.

Con el abandono de la saga de Frank Herbert, el estudio pasaría a desarrollar sus títulos más conocidos: la serie Command and Conquer, con la que alcanzarían su mayor éxito económico.

El título proponía un enfrentamiento entre la Global Defense Initiative y la Brotherhood of Nod, en un título con ciertos elementos de ciencia ficción -que se potenciarían en posteriores entregas de la saga-, pero que sobre todo proponía un alejamiento de la mecánica complicada, y la alta dificultad, de títulos de estrategia anteriores para PC. Con una curva de dificultad algo más suave que otros títulos de la época, Command and Conquer además presentaba un ritmo más rápido, casi arcade, para un título de estrategia en tiempo real que resultaba adictivo y accesible. Además, por primera vez Command and Conquer incluía vídeos rodados ex profeso para el juego en los briefings de las misiones, en los que han aparecido una gran variedad de actores, desde Tim Curry a Michael Ironside. La fórmula se refinaría en entregas posteriores de la saga, que más adelante se dividió entre la franquicia Tiberian, que seguía la línea argumental del primer título, y la serie Red Alert, iniciada con Command and Conquer: Red Alert, lanzado el 1996.

La franquicia Red Alert se inició con un estilo más o menos serio, que proponía una ucronía en la que Einstein descubría a través del estudio de la relatividad la tecnología necesaria para el viaje en el tiempo y volvía atrás para asesinar a Adolf Hitler. El resultado era una Rusia soviética desaforada similar a la de películas como Red Dawn de John Milius. Esta serie devendría con el tiempo en una versión absolutamente kitsch del original, con unidades tan estrafalarias como caballería rusa montada en osos polares o calamares gigantes antiaéreos.

Con todo, el lanzamiento gratuito de estos juegos nos ofrece una oportunidad que no se puede dejar pasar: Disfrutar de los inicios de la estrategia en tiempo real en PC, que nos permitirá valorar con más consecuencia próximos lanzamientos como el mencionado Command and Conquer 4 o el que será el lanzamiento más mastodóntico de la temporada, Starcraft 2. No lo dejen pasar.

La Dama y el Oscar.

2010-02-05T15:06:00.008+01:00

Me place mucho compartir con todos ustedes este corto: La Dama y la Muerte, candidato al Oscar al mejor corto de animación (por favor no dejen de ver el vídeo en alta definición y a pantalla completa, vale mucho la pena):

A mi ver, es un trabajo increíble, que reflexiona de manera cómica sobre temas tan espinosos como el derecho a una muerte digna, la soledad o la pérdida de un ser querido. Todo con un aspecto sobrio pero muy bien cuidado, y con una banda sonora excelente y que dice mucho ella sola de las intenciones del corto.

No se pierdan tampoco el blog oficial del estudio andaluz Kandor Moon, los padres de la criatura -autores también de la algo irregular El lince perdido-. En él encontrarán, aparte de los diarios de producción, una serie de posts sobre el diseño de cada uno de los personajes (el doctor y las enfermeras, la Dama y la Muerte). Los diseños resultan deliciosos, con algunos personajes inspirados en los pin-ups de los cincuenta y una Muerte que parece salida de Grim Fandango. Espero grandes cosas para este estudio, y tengo que mostrarme agradecido a Antonio Banderas por financiarlo al menos en parte y actuar como relaciones públicas para conseguir que se proyecte en Estados Unidos.

La Dama y la Muerte compite en la categoría de mejor corto con:

French Roast (me encanta como un simple espejo les permite saltarse el eje de la acción como les apetece):

Granny O'Grimm's Sleeping Beauty:

Logorama (en dos partes):

A matter of Loaf and Death (esta no está entera. Tendrán que buscarla por ahí):

Trajes de pelo y alas de mariposa.

2010-02-04T14:27:00.008+01:00

NOTA: Mis artículos sobre videojuegos aparecerán dos días antes en el blog El Gran Bug, del que soy colaborador. No dejen de visitarlo para disfrutar de los artículos de mis compañeros de proyecto: Alvy Singer, Ryu_gon y Makanudoo.

Hace poco que un buen amigo me prestó su copia de Bayonetta. Tras invertir en el juego una buena cantidad de horas -una de las mayores virtudes del juego, a mi parecer, es su dificultad- lo he terminado, y más allá de la valoración del juego -que es prácticamente perfecto-, me gustaría reflexionar sobre otro aspecto del título, su sensualidad.

Es un tema que ha despertado una cierta polémica, desde innumerables foros en internet, hasta en una esfera más cercana: recuerdo claramente el veredicto de mi novia sobre el juego al ver la demo:

"Esto es un Devil May Cry con tetas y culos."

Es una verdad como un puño, pero el hecho es que una vez jugado el juego, en mi humilde opinión, el problema reside en que nos han querido vender esto:

Pero el juego es más bien esto:

Sí, la protagonista está sexualizada hasta el absurdo, pero cabe recordar antes que nada el orígen del juego. La cultura popular japonesa está sexualizada hasta el absurdo, e incluso temas tabú como la homosexualidad se tratan como material para la comedia.

Otro factor interesante de la cultura japonesa en Bayonetta es el uso de una versión bastante sui generis de la mitología judeocristiana para crear todos los enemigos del juego... pero eso sería tema para otra discusión, y al fin y al cabo, quería hablarles de la sexualidad en Bayonetta.

El caso es que aunque el personaje esté sexualizado de una forma tan clara, no resulta un personaje objeto. En todo caso, Bayonetta resulta una mujer fuerte, que domina situaciones imposibles con un desparpajo igualmente inverosímil, y que, al contrario que otras creaciones "feministas" -nótense las comillas- como las protagonistas de Sexo en Nueva York, no busca al hombre perfecto para que le dé sentido a su vida.

Es más, a lo largo de todo el juego, los personajes masculinos son relegados a papeles secundarios, y las únicas relaciones emocionales de la protagonista son de amistad hacia una compañera de juegos de la infancia, y un cierto maternalismo hacia otros dos personajes. En ningún caso vemos a Bayonetta ser una mujer objeto, puesto que es la protagonista y el motor de la historia, y en las pocas ocasiones que alguien intenta un avance romántico sobre ella, lo rechaza sin ningún complejo. Se podría decir que Bayonetta es una versión espejada del protagonista de Devil May Cry, Dante, que está tan absurdamente segura de sí misma que se permite actuar de esta manera, con su belleza y su sexualidad como otras armas en su arsenal. Aunque eso sí, es más Lara Croft que Samus Aran.

Habrán notado la repetición del adjetivo "absurdo" y sus sinónimos en los párrafos de más arriba. Ello se debe a otro motivo para quitarle hierro al asunto, que es que el propio juego nunca se toma en serio a sí mismo, y dudo mucho que la polémica levantada en algunos círculos le importe demasiado a los desarrolladores más allá de la publicidad que le da. Es más, les invito a que todos ustedes tampoco se lo tomen tan en serio. Tanto sentirse excitado como montar en cólera son reacciones que sin duda buscaban los creadores del juego en el público, pero no son más que maneras de caer en la gran broma -en un buen sentido- que es el diseño de Bayonetta.

Aunque estoy muy tentado de mandar una copia al Institut Català de les Dones y a Pilar Rahola para ver que pasa. Por echarnos unas risas.

Retrorrotura

2010-01-14T13:12:00.003+01:00

Se acaba de hacer público el trailer de la película del Equipo A. ¿Liam Neeson como Hannibal? ¿En serio? Esto no va a funcionar.

Año nuevo, crítica tardía

2010-01-01T17:44:00.005+01:00

Por fin, mi crítica de Avatar, recién escrita. Ya se sabe, nunca es tarde si la dicha es buena. ¡Salud y feliz año 2010 a todos!

AVATAR

Dirección: James Cameron. País: Estados Unidos. Año: 2009. Duración: 161 min. Género: Ciencia ficción. Interpretación: Sam Worthington (Jake Sully), Zoe Saldana (Neytiri), Sigourney Weaver (Dra. Grace Augustin), Stephen Lang (Coronel Miles Quaritch), Michelle Rodriguez (Trudy Chacón), Giovanni Ribisi (Parker Selfridge). Guión: James Cameron. Producción: Jon Landau y James Cameron. Música: James Horner. Fotografía: Mauro Fiore. Montaje: James Cameron, John Refoua y Stephen E. Rivkin. Dirección artística: Rick Carter y Robert Stromberg. Vestuario: Mayes C. Rubeo y Deborah Lynn Scott. Distribuidora: 20th Century Fox. Estreno en Estados Unidos: 16 Diciembre 2009. Estreno en España: 18 Diciembre 2009.

Lo más probable es que Avatar entre en la historia del cine como el punto en el que el 3D se confirmó como algo más que una quimera. Y es que el gancho tecnológico del film es probablemente lo único que tiene que ofrecer. Sin embargo, aunque sea lo único que ofrece, lo hace de tal manera que lo convierte en una experiencia más allá del puro entretenimiento cinematográfico, entrando en el terreno del puro asombro y la maravilla.

Resulta difícil reflejar la sensación que produce la tecnología empleada en Avatar, de la misma manera que quizás resultó difícil a los espectadores del Ten Commandments del 1923 de Cecil B. De Mille relatar los efectos especiales que vieron: la presentación de la película es impecable, con un 3D que lejos del aspecto troquelado que ofrecen otros filmes, hace de Avatar una experiencia casi tangible. Hay que destacar además que Cameron, demuestra de nuevo que aunque no sea un autor, con un estilo propio y característico, tiene mucho más oficio que otros directores contemporáneos.

Y es que la propia composición de planos refuerza el efecto de la tecnología 3D, empleando planos con poca profundidad de campo, en los que Cameron sitúa elementos desenfocados tanto delante como detrás del punto donde se enfoca la mirada del espectador, en unas composiciones complejas pero nunca recargadas. El espectador no deja de tener la sensación de que lo que contempla es un mundo real, donde todos los planos son corales puesto que incluso el escenario es un actor más. Hay también un uso de la cámara subjetiva en ciertas escenas que recuerda mucho a las escenas cámara en mano de la reciente Enemigos Públicos, reforzando en Avatar la inmersión del espectador como lo hacían en la película de Michael Mann.

Lo más loable de todo el conjunto es que estos recursos nunca resultan gratuitos, ni hacen un uso pornográfico del 3D, que se convierte más que en una novedad curiosa en un elemento constante de la película, enriqueciendo todos los planos y la suspensión de incredulidad del espectador, ya de por sí reforzada por el excelente -exhuberante, frondoso, vital- diseño del mundo de Pandora y sus habitantes.

El guión resulta manido y previsible, pero no deja de ser un vehículo para el lucimiento visual de la película. Se podría acusar a la película de tener un par de elipsis temporales absolutamente anticlimáticas, o de tomarse demasiado en serio a sí mismo, pero fijarse en estos aspectos sería descuidar lo fundamental del film: Cameron nos propone un viaje a otro mundo, pero sobretodo, una evolución tecnológica del cine, que además del propio espectáculo, se quiere reivindicar como una experiencia única que no se puede replicar en el hogar.

Colores y ruiditos 2009: tercera parte, portátiles

2009-12-31T11:16:00.004+01:00

No hemos visto demasiado movimiento en el ámbito de las portátiles. Las únicas novedades, de poco impacto, han sido la aparición de la Nintendo DSi y la PSPgo, que en ambos casos aportan una suerte de AppStore que intenta asemejarse a la de Apple. La conectividad de las portátiles con sus hermanas de sobremesa se ha seguido potenciando, sobre todo en la PSP de Sony, pero pese a características como el remote play o los minis, Nintendo sigue dominando el mercado con sus DS. Sin más, la lista:

Nintendo DS y PSP

Dragon Quest V

Este juego podría haber sido otro de los geniales remakes de juegos de rol clásicos -al estilo Final Fantasy III- de la consola de Nintendo, pero todo él es la explicación perfecta de porqué la saga Final Fantasy triumfó y Dragon Quest se quedó en Japón. El combate es lento, tedioso, con pocas opciones, y la cantidad de combates aleatorios que encontramos moviéndonos en cualquier sitio hace un calvario ir a cualquier parte. Dragon Quest ha envejecido mal, y dándole una suave capa de barniz de gráficos nuevos -y una traducción infame- no se consigue actualizarlo. Brillan como siempre los diseños de Toriyama, pero este juego es para nostálgicos del original, a cualquier otro le resultará muy difícil entrar de lleno en él, pese a tener una historia más interesante que la del RPG japonés medio.

Henry Hatsworth

Un extraño pero muy disfrutable esfuerzo por fusionar un juego de acción y plataformas clásico -al estilo Ghouls and Ghosts- con un puzzle de la escuela Tetris attack, este juego es sin lugar a dudas una de las sorpresas del año, aunque no la mayor. La única pega que se le puede achacar es que su humor grueso hace gracia aproximadamente los primeros cinco minutos. A partir de ahí las bromas sobre la flema británica cada treinta segundos empiezan a cansar. No obstante, la dificultad creciente del juego nos mantendrá enganchados del principio al final. Muy recomendable.

Knights in the Nightmare

Un extraño experimento que se vendió como la evolución del SRPG incorporando elementos de shooter y puzzle... y que acabó siendo un batiburrillo ininteligible con más de cincuenta tutoriales que necesitaremos leer y memorizar antes de entrar al propio juego... que cuenta con una narrativa lenta, una mecánica de batalla confusa y tediosa y una dificultad absurdamente alta. A menos que sean Uds. un hikikomori con muchísimo tiempo libre o un monje de clausura, manténganse alejados de la joya de la corona de Atlus. Eso o prueben Dwarf Fortress. Me han dicho que es muy entretenido y fácil de jugar.

Professor Layton and The Diabolic Box

Level 5 toman el original y lo renuevan añadiendo mecánicas de juego, una banda sonora más amplia e ilustraciones de mayor calidad, produciendo un videojuego que aunque es continuista, resulta una obra maestra que atrapará a cualquier jugador que lo pruebe. Tan imprescindible como el primero, a pesar de las campañas publicitarias con Amparo Baró...

Scribblenauts

La gran máquina de hype para DS de este año. Pasó lo que suele pasar en estos casos; tras prometer el oro y el moro, el juego no llega a sus promesas una vez lanzado y al cabo de dos semanas la crítica se da cuenta en un alarde de valentía que es un pufo. y que agota sus posibilidades tras dos niveles de juego. Si lo compran, allá Uds., yo les advertí.

Might and Magic: Clash of Heroes

Personalmente, este es el mejor juego que he jugado este año para DS, y constituye una sorpresa que se haya publicitado tan poco un juego que desciende de la franquicia Might and Magic, una de las series con más éxito en PC de todos los tiempos. Capybara Games nos ofrecen un puzzle con elementos de RPG que engancha con la primera partida. Además de la -extensa- campaña de un solo jugador, Clash of Heroes ofrece un multiplayer furiosamente adictivo, un modo puzzle, y cinco facciones jugables. Si tienen que comprar un juego de DS estas fiestas, no lo dejen pasar, difícilmente se encuentran videojuegos de esta calidad y tan innovadores en el género de puzzles, y más en una portátil. Aún estamos esperando Gyromancer para PC y Playstation 3...

Dissidia: Final Fantasy

Por una vez, el hype ha sido justificado por el juego. Square Enix nos ofrece un videojuego de lucha con todos sus personajes estrella, esta vez mejor realizado que aquel Ehrgeiz que lanzara para PSone. Dissidia se parece más en su gameplay a Zone of the Enders que a Street Fighter, pero es un juego que mezcla perfectamente elementos de RPG con combates, contando además con un elenco de personajes equilibrado, donde ninguno domina sobre los demás... algo que pocos juegos de lucha pueden decir. Épica gratuita, combates imposibles en pleno vuelo y planos de Sephiroth sin gabardina para regocijo de todas las fangirls... ¿Se le puede pedir más a un juego de lucha de la saga Final Fantasy?

Con esto queda cerrada la lista señores. Aprovecho para desearles un 2010 feliz, y sobretodo con tiempo disponible para que puedan disfrutar tanto de videojuegos como de cine, como de literatura. Nos leemos.

Colores y ruiditos 2009: segunda parte, PC

2009-12-30T14:51:00.005+01:00

A pesar de la preponderancia de las consolas, el PC sigue siendo una plataforma importante en el mundo del videojuego. La distribución digital, mucho más evolucionada y con mayor competencia que la ofrecida por las consolas, permite que aparezcan videojuegos independientes que serían inviables en Xbox Live o Playstation Network, y al mismo tiempo permite a los desarrolladores dar soporte a sus productos de una manera mucho más ágil que en las consolas. Por no hablar de las comunidades de usuarios que modifican los juegos a su antojo.

El 2009 ha traído grandes títulos a los PC, y ha avanzado mucho en la distribución online, pero el gaming en PC sigue estando lastrado por varios problemas que vienen de lejos, como la piratería y el alto coste de mantener un PC en condiciones para los últimos lanzamientos. También otros problemas nuevos han aparecido, como la insistencia de los vendedores online de igualar dólar a euro, o el DRM cada vez más intrusivo; pero con todo PC y compatibles siguen estando a la vanguardia de la evolución del videojuego. Vayamos con la lista:

PC y compatibles

Torchlight

Ya traté este videojuego en un post más detallado, pero baste recordar que es el siguiente paso en la evolución de los videojuegos de rol de acción de estilo Diablo. Pura jugabilidad destilada hasta que solo queda un juego hecho para el disfrute de ese obsesivo-compulsivo que llevamos todos dentro. Además cuenta con una nutrida comunidad de modders que expanden el juego original con nuevos niveles, clases de personaje u objetos que utilizar. Un nivel más y a dormir, que son las cuatro de la madrugada.

Mirror's Edge

Mirror's Edge contaba con muchísimos elementos para tener éxito: un gameplay preciso, que tanto castiga al que no domina los controles como recompensa con una fluidez exquisita al que ya tiene más práctica; un diseño de niveles y personajes brillante y colorido, sorprendente en el mundo gris y marrón de los videojuegos en primera persona; un concepto extremadamente innovador, el jugar con la propiocepción del usuario...

Sin embargo, precisamente estos elementos fueron los que hicieron que no tuviera éxito. Gustar a una comunidad tan estricta en sus gustos como los jugadores de First Person Shooters fue imposible en un juego en el que usar armas de fuego hacía lenta y vulnerable a la agilísima protagonista, y el combate cuerpo a cuerpo -que el juego siempre recordaba que era la última opción- era brutalmente inefectivo. Por otra parte, el público del género plataformas se vio confundido por unos controles que, de novedosos, eran totalmente impracticables hasta que se llevaba un buen rato de rodaje. No obstante, se podría decir que Mirror's Edge es uno de los grandes incomprendidos del año. Un juego impresionante que aunque tenga una curva de aprendizaje muy elevada resulta absolutamente plástico cuando se lo domina. Belleza en movimiento, y en el movimiento.

Prototype

Los juegos sandbox no serán los mismos después de Prototype. Más allá del guión o del diseño de personajes -donde se ve eclipsado por la saga Grand Theft Auto, aunque Alex Mercer, el protagonista de Prototype, no deja de ser un personaje que merece secuela- este juego da tal sensación de poder al jugador que convierte el jugar a otros juegos del estilo en una experiencia deprimente, sintiéndonos como dioses lanzados a la tierra y privados de su omnipotencia. Un ejercicio de satisfacción del jugador sin parangón en ningún otro juego de este año. Pruébenlo y pongan la ciudad a sus pies.

Borderlands

Borderlands ya tuvo su propio post hace un tiempo, y a él me remito. De todos modos, desde ese momento se han añadido contenidos descargables al juego, entre ellos The zombie island of Dr. Ned, que es un auténtico splatter de zombis, referencias a series de dibujos animados de los 80 y al terror clásico, todo regado con la irreverencia propia del juego original. Si aún no lo han jugado, busquen un compañero (porque este juego gana enteros en multijugador) y vayan a matar unos cuantos no-muertos ahora mismo.

Dragon Age: Origins

Bueno, tras perderse en el futuro de Mass Effect y demorarse de vuelta en el universo Star Wars para elaborar un MMO, los chicos de Bioware han vuelto a un terreno que les es más familiar; la fantasía épica. Dragon Age:Origins es presumiblemente el primero de una franquicia que apunta hacia extenderse de la misma manera que se extendieron los Baldur's Gate del pasado. Se nos ofrece, en cambio, un universo de fantasía propio en lugar de tomar prestado el setting de una campaña de Dungeons and Dragons. El reino de Ferelden es una creación de fantasía adaptada a los tiempos que corren, con una ambigüedad moral que no llega a los puntos de maestría vistos en The Witcher -otro juego obligatorio para los aficionados al RPG en PC-, pero que aún así evoluciona el género en tanto que no es una fotocopia de la Tierra Media de Tolkien. El gameplay también bebe de los tiempos que corren, y es que estamos ante un juego con un importante componente de diálogos al estilo Mass Effect, pero a la vez con un estilo de combate paralelo al de cualquier MMORPG contemporáneo.

En resumen, originalidad y un poco de atrevimiento narrativo para probablemente el mejor RPG del año independientemente de la plataforma. Espero ofrecerles en breve un análisis más detallado de este juego.

Batman: Arkham Asylum

Heredero a la vez de algunos tics del Batman más reciente de Christopher Nolan -por sus personajes oscuros y su look dónde se nota claramente la influencia del Unreal Engine y de Bioshock- y de la estética absolutamente descacharrante de algunos momentos del Batman más camp de la serie de los sesenta -Harley Quinn no tiene precio-, este videojuego es, muy probablemente, el videojuego definitivo sobre el personaje. Todos los Batman están aquí, desde el atormentado Caballero Oscuro del cine más reciente, hasta el Batman que se replantea su relación con el Joker de Alan Moore.

Rocksteady Studios hacen un trabajo impresionante dándole desde el principio un sentimiento de poder al personaje, usando un combate cuerpo a cuerpo en el que Batman domina a sus enemigos, a la vez que un aspecto sigiloso y terrorífico del personaje, jugando con sus enemigos a voluntad, separándolos y disponiendo de ellos de forma táctica. El Batman de Arkham Asylum es un espejo perfecto del personaje de cómic, siendo capaz de eliminar él solo a docenas de secuaces del Joker... siempre que use la cabeza. Batman es un héroe cerebral, y el uso de la fuerza bruta nos llevará a ser tiroteados sin piedad. El juego nos enseña esto y nos da todas las herramientas necesarias para planear la emboscada perfecta, haciéndonos pensar y actuar como el Caballero de la Noche. Merece la pena destacar las secuencias de pesadilla provocadas por el gas del Espantapájaros, no veíamos nada similar desde los sueños del primer Max Payne. Batman: Arkham Sylum sienta la pauta para lo que todos los videojuegos con licencia deberían ser: fieles al personaje pero sobretodo profundos e interesantes de jugar. Solo queda esperar a la ya anunciada secuela.

Puzzle Quest: Galactrix

Después de alcanzar el éxito con Puzzle Quest: Challenge of the Warlords, Infinite Interactive derruyeron el primer juego creando Galactrix. Unas mecánicas excesivamente complicadas que lastraban todo el juego, una progresión absolutamente tediosa y en general un juego poco o nada intuitivo y gráficamente soso hicieron de Puzzle Quest: Galactrix una de las mayores decepciones del año.

Braid

Tras más de un año de espera, el magnum opus de Jonathan Blow fue lanzado para PC. Queda poco que decir sobre Braid, que probablemente se haya convertido en el paradigma de videojuego independiente al que todos los desarrolladores aspiran: un videojuego con unos orígenes extremadamente humildes, pero con una visión y una genialidad que lo han convertido en un éxito de masas. Imprescindible.

Plants Vs. Zombies

Un concepto tan delirante como el montar una defensa ante un apocalipsis zombi con las poderosas herramientas... de la jardinería. Esa idea es la base de uno de los grandes éxitos casual del año. Plants Vs. Zombies es accesible a cualquiera que haya disfrutado alguna vez con un ordenador, y bajo su fachada de simplicidad esconde un juego de estrategia sorprendentemente profundo. Una vez más, PopCap Games demuestra que los límites entre hardcore y casual están obsoletos con este juego y su multitud de modos y posibilidades. Incluso se han permitido el lujo de promocionarse parodiando los banners de un juego online infame. No se pierdan la crítica de Denkara sobre el juego y el zombi de Michael Jackson.

Y con esto queda cerrada la lista para PC. Les espero en la tercera parte, sobre los juegos de este año en sistemas portátiles.

Colores y ruiditos 2009: introducción y primera parte.

2009-12-30T01:43:00.000+01:00

El título de la entrada puede llevar a confusión, pero este post tratará sobre los videojuegos de este año 2009 que nos deja. Un pariente mío se refería a los videojuegos como "colores y ruiditos" y siempre me ha hecho mucha gracia. No haré una lista de los mejores videojuegos de la década, más que nada porque se me antoja una tarea titánica que ya harán -que ya han hecho- otros.

La lista, que será probablemente larga, está dividida por plataforma -cada una de ellas en un post distinto-, y la verdad es que no sigue ningún orden al estilo "top10" porque no soy amigo de ese tipo de clasificaciones. Ah, y no necesariamente aparece el videojuego aquí porque sea bueno. A alguno le caerá una colleja. La última aclaración, que es muy necesaria, es que solo incluyo videojuegos a los que he jugado personalmente, y que los incluyo en la plataforma en la que los he jugado. Estaré encantado de recibir recomendaciones -y quejas, y amenazas de muerte fanboyiles- en los comentarios. Ahí va:

Playstation 3

Se dijo que este sería el año de la PS3, y no ha sido un mal año, aunque como siempre ha resultado irregular. Más de un juego ha acabado por ser una burbuja de hype -cosa que tristemente ya viene siendo frecuente en todas las plataformas-, pero con todo 2009 ha sido un buen año para hacerse con la consola de Sony, sobre todo con la caída de precios y el lanzamiento de la PS3 Slim. Pasemos a los juegos:

Killzone 2

Bueno, qué decir de una de las grandes máquinas de crear expectativas de Sony. Killzone 2 empieza donde acabó la primera entrega de la saga, y aunque no se puede decir que fuera un mal juego, más allá de los gráficos ofrecía poco. Los pesados controles del juego -y la imposibilidad de redefinirlos- causaron ira entre la comunidad de usuarios, a pesar de que esa gravedad en el movimiento sea quizás lo que hace único al juego. El multijugador sigue siendo -o seguía siendo, hasta el lanzamiento de Modern Warfare 2, del que hablaré más adelante- uno de los más poblados de la PSNetwork, con multitud de clases que descubrir y dominar, y un combate visceral y directo. No obstante el juego en conjunto parece resentirse un poco de la síndrome de Ubisoft, a saber: muchos valores de producción -el doblaje inglés hace que a uno se le erice el vello de la nuca de lo épico que es- y gameplay relegado al segundo término. Igualito que una película de Michael Bay, mucha explosión pero poco impacto.

Brütal Legend

He hablado varias veces de este videojuego, y creo que no hace falta extenderme más. Puede que no sea considerado uno de los grandes éxitos del año para ninguna de las plataformas en las que ha aparecido, pero el nuevo proyecto de Tim Schafer es una maravilla. Todos los elementos del juego tienen un carácter único y cuidadísimo, desde el diseño de niveles hasta el doblaje original, pasando obviamente por la selección de la -impresionante- banda sonora. Este juego señores, es una perlita igual que el anterior juego de Schafer, Psychonauts, y se convertirá, lo más probable, en un juego de culto. Consigan su copia pronto antes de que algún crítico snob de Edge lo eleve a estatus de culto y todos los coleccionistas se maten por él.

Street Fighter IV

Perfección. Capcom se reivindica de nuevo como el mejor desarrollador de juegos de lucha con la cuarta entrega de la saga Street Fighter, que es un retorno a los orígenes tanto como un paso adelante. Se retorna a los personajes que hiciera grandes Street Fighter 2 y se simplifica la mecánica de los super-combos -siempre que comparemos con títulos como Alpha3, Third Strike o Marvel versus Capcom 2-, a la vez que se da un estilo visual totalmente nuevo -los Street Fighter Ex de Arika no cuentan, como sabe todo el mundo- y se profundiza en nuevas mecánicas como el focus attack. Repito: perfección en lucha. No hay más que decir, solo queda esperar al nuevo Super Street Fighter IV que saldrá el 2010 para ver si Capcom se vuelve a superar.

Guitar Hero: Metallica

La franquicia Guitar Hero ha vendido millones, pero para cualquier aficionado al metal, entre los que me incluyo, este es el título que hay que comprar. Francamente, ya era hora de que pudiéramos emocionarnos con el solo de Master of Puppets y una guitarra de plástico. Comprarlo dos semanas después de asistir a un concierto de Metallica, bueno, es un plus. Eso sí, la dificultad de este juego es feroz. No todo el mundo podrá emular a Kirk Hammet o a Lars Ulrich a la primera, créanme. No obstante, la práctica hace la perfección, y practicar con un juego así de pulido da gusto. No se pierdan los pequeños extras de cada canción, ver al grupo tocar con monos de motion capture no tiene precio.

Assassin's Creed II

Con sinceridad hay que decir que aún estoy jugándolo, así que cualquier error de juicio se puede achacar a no haberlo terminado. Aún así, el segundo Assassin's Creed, como dijo un buen amigo, hace que el primero parezca una demo. Se ha aumentado la variedad en las misiones -tanto primarias como secundarias-, se ha mejorado el detalle de los escenarios y se cimienta la historia iniciada -en los últimos 30 minutos de juego- por el primer título de la saga, que confundió a más de uno. De todos modos no es un juego perfecto, el control aún resulta algo inexacto en algunas secciones de plataformas o en el momento de trepar, y la cámara les puede jugar una mala pasada en más de una ocasión si no se molestan en posicionarla manualmente. El combate ha ganado en variedad, pero esto no es un Devil May Cry, señores. Con todo, una mejora sobre el anterior, confirmando la franquicia como un producto sólido. Ya veremos si Ubisoft consigue darle la vuelta igual a Prince of Persia después del fiasco del último juego de la saga.

Demon's Souls

Este juego es el sueño de cualquier aficionado a los juegos de rol y de combate. A parte de un modo online extremadamente innovador, que va más allá de los típicos combates jugador contra jugador e incorpora elementos de MMO, el juego tiene una banda sonora impresionante, una estética única, original, pero sobretodo que nos traslada a un mundo coherente -pero que recuerda bastante al universo del manga Berserk de Kentarou Miura, todo hay que decirlo-. Más puntos a favor del juego son la cantidad de estilos de juego ofrecidos al jugador, que van desde los más tradicionales como el guerrero o el mago, hasta otros más exóticos como el vagabundo o el noble. Se ha comentado que la dificultad del juego es elevada, pero personalmente creo que eso es un aliciente y no un defecto en tanto que aunque ponga a prueba al jugador, Demon's Souls le recompensa por su esfuerzo. Si hay un único defecto que destacar del juego es que no ha sido lanzado en Europa ni hay planes para ello... A importar se ha dicho, señores.

Call of Duty: Modern Warfare 2

Bueno, ahora es cuando me van a sacar Udes. los ojos. Este juego es un pufo. Makanudoo hace un análisis -excelente- sobre el juego en El Gran Bug, pero les copio aquí mi comentario sobre el tema, que creo que resume -bueno, es una parrafada de las mías- mi opinión (en la página original hay más comentarios, y de hecho hay un offtopicazo sobre Avatar muy interesante):

Que conste que no pretendo criticar tu análisis, pero mi opinión sobre MW2 es bastante distinta… de entrada en el apartado gráfico me parece justito, en tanto que casi no ha mejorado en comparación con la anterior entrega de Modern Warfare -dejo a parte World at War por ser de un desarrollador distinto- y aunque ofrece paredes que pueden ser penetradas por los disparos, la física del juego es bastante pobre, y la interacción con el entorno es nula más allá de dispararle a los consabidos barriles explosivos…

Battlefield Bad Company fue mucho más allá en la interacción con el terreno por parte del jugador, creando escenarios muy interesantes en el modo multiplayer -¿Te está disparando un francotirador desde una posición oculta a la que no puedes apuntar? Haz saltar por los aires el edificio entero de dos bazokazos-. Por no hablar del aspecto de los personajes.

Más allá de los personajes principales como Price, Shepherd, Ghost y compañía, el resto de soldados es totalmente intercambiable, y uno a veces tiene problemas para distinguir rusos de americanos. Y hay gráficos mejores en las consolas actuales, no voy a poner ejemplos para no ser tildado de “fanboy” por nadie, pero creo que es evidente.

Más allá de los gráficos, me parece oportuno comentar que la integración del jugador en la historia se hizo mejor -y de forma menos tramposa- en juegos como Bioshock o incluso Half-life 2. El polémico “No Russian” no es más que un ejercicio de polémica gratuito para darle algo de bombo mediático al juego… de hecho se puede pasar el nivel entero sin pegar un solo tiro mientras sigas a los terroristas. Yo lo hice.

Por no hablar del momento cumbre del enfrentamiento final del juego… que será épico, eso sí, pero no deja de ser previsible -desde el momento del cuchillo, y no digo más para no spoilear, ya se sabe como acabará la cosa…- y de hecho no es otra cosa que un Quick Time Event. El juego repunta en las incursiones a cámara lenta, que son realmente un punto innovador, pero a parte de eso y las misiones de “sigilo”, que ya fueron de lo mejor de la entrega anterior, no ofrece nada nuevo.

La dificultad de la campaña de un solo jugador es extremadamente tramposa, y de hecho en las dificultades superiores -creo que yo lo jugué en “curtido”, la penúltima si no me equivoco- simplemente provoca que aparezcan enemigos de la nada en las habitaciones que ya has limpiado, dando la ilusión de complejas emboscadas cuando simplemente han aparecido de la nada detrás tuyo. Y no lo digo por decir, he visto más de un soldado ruso aparecer de la nada en la campaña…

Se sustituye calidad por cantidad, simplemente aumentando el daño de las balas y el número de enemigos, pero no su AI, que no es como para echar cohetes. Se pueden ver comportamientos más inteligentes en los enemigos del ya mencionado Half Life 2, y es un juego con 5 años de antigüedad… ¿Os han devuelto alguna vez las granadas los enemigos en Modern Warfare 2? Ya, a mi tampoco.

Por no hablar del scripting, que es más aparente que un puñetazo en la cara… vas con una compañía entera, pero si tu no pasas de la trinchera no se mueve nadie, y siguen disparándose balas entre ellos sin impactar ni una sola vez. El jugador a pesar de estar acompañado de un batallón se siente solo constantemente. Aquí no hay otra táctica que el “ve tú delante que a mí me da la risa.”

Con todo, el single player es un pequeño adorno -de hecho las misiones cooperativas tienen más chicha y son el gran olvidado de este juego- para el multiplayer, que es una versión corregida y aumentada del visto en los anteriores títulos de la saga. No se engañen, este juego es de todo menos rompedor, y se puede ver sin demasiadas complicaciones como la exportación del estilo franquicia, continuista y nada creativo, al estilo FIFA o Pro Evolution Soccer, al mundo del FPS.
¿Qué se apuestan que el año que viene sale otro Call of Duty igual de “revolucionario”?

Y poco más queda por decir. Siguiente (¡Y que empiecen los flames!)

Noby Noby Boy

¿Les ha gustado el cambio de tercio? Claro que sí. Noby Noby Boy es a un videojuego "tradicional" lo que una caja de cartón es a un castillo de juguete. El juego de Keita Takahashi -que ya nos impresionó con Katamari Damacy- es un juguete que viene sin instrucciones. Pueden hacer con él lo que ustedes quieran, y si buscan algún objetivo al juego... bueno, el objetivo es divertirse, no recoger monedas ni completar niveles. Todo el espíritu lúdico e infantil -en un buen sentido de la palabra- del diseñador está en este juego. Por los cuatro euros que vale, denle una oportunidad. Todo Noby Noby Boy es un tributo a la infancia y a la ingenuidad; arte a través de un nuevo medio.

Critter Crunch

Los chicos de Capybara Games tienen oficio, y lo demuestran. Este puzzle es absolutamente adictivo, recicla y mejora aquel Magical Drop de Neo-Geo con gráficos animados dibujados a mano y un juego que tanto en solitario como en multijugador es extremadamente divertido, simple de aprender, pero difícil de dominar. Este estudio ya ha dado la sorpresa con Critter Crunch, y otro de sus juegos aparece en esta serie de posts en el apartado de portátiles. Quédense con el nombre de Capybara, este estudio dará tanto que hablar o más que Arkedo.

Uncharted 2: Among Thieves

El juego del año. Sin paliativos. Uncharted 2 es una mejora tan exponencial sobre la primera entrega de la serie que la hace irrelevante. Donde el original tomaba prestadas las mecánicas de juegos de éxito -la cobertura y los disparos en tercera persona de Gears of War, el plataformeo en tercera persona de la saga Tomb Raider- y les daba un lavado de cara, Uncharted 2 toma ese mismo punto de salida y lo convierte en un videojuego revolucionario. Revolucionario en su ritmo -que deja en el barro a más de una película de acción de alto presupuesto...-, en su diseño de niveles y personajes -que son, llana y simplemente, bellos, muy bellos- y en su uso del color. Cada frame de Uncharted 2 parece extraído de una página del National Geographic Magazine. El uso de la cámara es magistral, el doblaje de los personajes es digno de cualquier película, y el ritmo de juego y de dificultad es simplemente perfecto. A todo esto se le añade un multijugador tan rápido y ágil como la campaña en solitario, con múltiples modos de juego y que incorpora tanto los elementos de shooter del juego como de plataformas, en niveles dónde el factor vertical es extremadamente importante. Si tienen una Playstation3, necesitan este juego. No lo quieren, lo necesitan. La única ¿pega? es que todos ~~los niñatos~~ se fueron al multiplayer de Modern Warfare 2.

Y hasta aquí los destacados en la negra de Sony. Mañana, PC. Un saludo, y felices fiestas a todos mis lectores -que alguno habrá que no conozca-.

Sin rodeos

2009-12-15T16:50:00.001+01:00

Por fin, alguien que explica el EEES, comúnmente conocido como Plan Bolonia, sin pelos en la lengua. De hecho, después de ver este vídeo queda más que claro lo que se pretendía -y se consigue- con esta reforma universitaria. Y no lo explica un cualquiera, no crean, se trata del Ilmo. Juan Carlos Mejuto, decano de la facultad de Ciencias de la Universidad de Vigo. Vivir para ver, ver para creer, o no.

Robándole a los ricos para...

2009-12-15T13:00:00.002+01:00

Kevin Costner va a quedar en ridículo. De nuevo.

Jaulas de cristal

2009-12-08T20:45:00.001+01:00

NOTA: Este semestre voy a publicar una serie de artículos en el blog "Den Våldtäktsman", para un seminario de actualidad sobre Stieg Larsson, el éxito póstumo de sus novelas, y los temas subyacentes en ellas. Publicaré mis entradas a susodicho blog aquí en mi sitio personal, con el tag "Sadistiksvin". De todos modos, les recomiendo a todos mis lectores la visita del blog ya mencionado, puesto que se trata de un esfuerzo colectivo y podrán disfrutar allí de los posts de mis compañeros de seminario.

A propósito de la última sesión del seminario, nos preguntábamos, ¿Vamos hacia un futuro dónde el ciudadano es controlado? ¿Estamos construyendo una gran jaula de cristal para la sociedad?

Esta proposición lleva mis ideas por dos caminos bien distintos: uno, la referencia en la ficción -más allá de la saga Millennium- y otro, los trabajos de autores como Jeremy Bentham, que ideó el concepto del panóptico.

Bien, empezaré por la ficción, más que nada porque es el campo en el que me siento más cómodo.

La vigilancia -o el control- del ciudadano por parte de una entidad -o institución, o por los propios ciudadanos- es un elemento bastante habitual en el subgénero de la distopía. Encontramos ejemplos que van desde lo evidente, como lo visto en 1984 -se puede leer entera en el enlace, viva el dominio público canadiense- de Orwell, o en el Brave New World de Huxley; hasta lo sutil, como en Arrepiéntete Arlequín, dijo el Señor Tic Tac de Harlan Ellison.

Me dejo multitud de ejemplos en el tintero, que van desde el cómic, con títulos como V de Vendetta, hasta el cine con THX 1138, pero se hacen Ustedes una idea. Se diría que el temor a la pérdida de la privacidad es uno de los miedos primarios que se explotan en este tipo de ficción.

No obstante, lo inquietante de la deriva de la sociedad actual no es tan solo la vigilancia constante de la población, sino la voluntad de la misma de aceptar la vigilancia. Sea en pos de la universalización de algún servicio, o por el ubicuo miedo al delincuente o al terrorista -suena tópico, pero sin ir más lejos es uno de los motivos aportados por la administración para promover el registro de los propietarios de móviles prepago-, sea por el motivo que sea, no dudamos en prestar nuestros datos.

¿Suena tan descabellado entonces ese temor a la jaula de cristal?

Con lo que se ha llegado a comentar sobre la sobredosis informativa de la que es víctima la sociedad, no es de extrañar que ésta se preste a la supervisión, o que dependa de mecanismos de cohesión social -como la prensa, sin ir más lejos-.

Más que nunca, estamos ante un caso de construcción de social de la realidad, como postulaban Berger y Luckmann -me perdonarán por el enlace a la wikipedia, pero no encuentro el libro online- y sobretodo, en un escenario en que la sociedad acepta su vigilancia y control a través de la aceptación del gatekeeping visto en las teorías de Lewin.

Lo que me lleva, como comentábamos arriba, a las obras de Bentham, y al concepto del panóptico, o al del Contrato Social de Hobbes. Siempre según sus teorías, el hombre necesita de supervisión para mantener una sociedad estable. Sea de supervisión por parte de una autoridad, o según lo concreto propuesto por estos autores, de un acuerdo o supervisión por parte de los otros integrantes de la sociedad.

Vistas estas teorías, se diría que no tan sólo vamos hacia un futuro de jaulas de cristal, sino que además nos encanta pulir las paredes para que luzcan aún más transparentes. Pero claro, argumentarán algunos, la sociedad actual es -Gracias a Ford- celosa de su información privada.

Mi respuesta es un poco cortés "y una mierda".

Espero perdonen la salida de tono, pero no hay más que ver las cifras de redes como Facebook -no hay enlace. No tengo Facebook y abomino de él- para darse cuenta de que el ciudadano medio de a pie usa las facilidades tecnológicas de nuestro momento para publicar a lo ancho de la red sus glorias y sus penas.

¿Les suena a chiste la idea de una red social de este tipo, pero para tratar y compartir asuntos de seguridad nacional? Pues que no les suene eso ni a chiste, ni a conspiranoia, existe y lo impulsan la CIA y el FBI.

Lo dicho, no sólo nos estamos metiendo en la jaula sino que vamos con el bote de Cristasol en la mano y la sonrisa en los labios.

Anotación

2009-12-04T11:50:00.005+01:00

Les dejo aquí una crítica que escribí a propósito de El Secreto de sus ojos, película que les recomiendo encarecidamente. Próximamente, más posts, que tengo varios en la recámara, pero parece que estoy un poco parado...

EL SECRETO DE SUS OJOS

Dirección: Juan José Campanella. Países: Argentina y España. Año: 2009. Duración: 129 min. Género: Drama. Interpretación: Ricardo Darín (Benjamín Espósito), Soledad Villamil (Irene Menéndez), Pablo Rago (Ricardo Morales), Javier Godino (Isidoro Gómez), Guillermo Francella (Sandoval). Guión: Eduardo Sacheri y Juan José Campanella; basado en la novela “La pregunta de sus ojos” de Eduardo Sacheri. Producción: Gerardo Herrero, Mariela Besuievsky y Juan José Campanella. Música: Federico Jusid. Fotografía: Félix Monti. Montaje: Juan José Campanella. Dirección artística: Marcelo Pont. Vestuario: Cecilia Monti. Distribuidora: Alta Classics. Estreno en Argentina: 13 Agosto 2009. Estreno en España: 25 Septiembre 2009.

Esta es una película, sin lugar a dudas, sobre la incapacidad del hombre; para amar, para recordar, para olvidar, pero sobretodo, la incapacidad para cambiar de pasión, para aprender de sus errores. Campanella nos propone a un Ricardo Darín perdido, en lo que él mismo postula como una vida llena de nada, y nos lleva a través de los recuerdos de este hombre, enseñándonos qué le llevó a ese punto, y como no consiguió volver su mirada del pasado al futuro.

De esta manera, el director nos hace recordar con el personaje, con la ductilidad de la memoria, sus agudezas y sus lagunas. No cabe duda que esta es una obra que ahonda en el talento de Campanella para la emotividad, para el diálogo costumbrista, para prender la atención del espectador en una cotidianeidad que se precipita hacia una conclusión inevitable. Las interpretaciones son cuanto menos memorables, desde el personaje protagonista de Darín -con una contención en todo el metraje que pone aún más de manifiesto la intensidad de algunas escenas- como los secundarios, en especial el interpretado por Guillermo Francella, en un papel tan tragicómico que es cine argentino en estado puro. Y no desmerece en absoluto estas interpretaciones ninguna parte del conjunto, con una fotografía extremadamente cuidada, una banda sonora correcta -aunque quizás demasiado manipuladora en algunas escenas-, y una recreación de los años 70 cuidadísima, que quizás no se veía desde Zodiac, de David Fincher.

Aún así, la película no es perfecta, aunque se le puedan achacar pocos fallos. El guión parece acelerarse en la última mitad de la película, pasando de las divagaciones de viejo -según sus propias palabras- del inicio de la película a un tono casi folletinesco de revelaciones contínuas, que no desmerecen la trama en absoluto pero que se antojan quizás innecesarias y poco acordes con el tono del resto de la película. En especial destacamos la resolución de la trama amorosa, que se lleva de una manera muy cuidada en toda la película para acabar dándole un desenlace un tanto simplista.

Con todo, un ejercicio de cine -negro, policíaco, dramático, crepuscular- absolutamente recomendable, que aunque adolezca alguna irregularidad cumple sobradamente con sus aspiraciones.

Sexto sentido

2009-11-13T12:59:00.004+01:00

Así es como llaman sus desarrolladores a esta aplicación de realidad aumentada, que según comentan, será de código abierto:

¿No resulta increíble? pensar que tecnología como esta podría estar disponible en menos de diez años hace que a uno se le haga la boca agua.

Cornamentas de alce

2009-11-07T13:48:00.002+01:00

NOTA: Este semestre voy a publicar una serie de artículos en el blog "Den Våldtäktsman", para un seminario de actualidad sobre Stieg Larsson, el éxito póstumo de sus novelas, y los temas subyacentes en ellas. Publicaré mis entradas a susodicho blog aquí en mi sitio personal, con el tag "Sadistiksvin". De todos modos, les recomiendo a todos mis lectores la visita del blog ya mencionado, puesto que se trata de un esfuerzo colectivo y podrán disfrutar allí de los posts de mis compañeros de seminario.

El deporte en general siempre me ha parecido un fenómeno curioso. Hay diversos elementos asociados al deporte en nuestra sociedad, como valores de variada catadura -camaradería, espíritu de superación, o la famosa "deportividad"-, pero siempre he visto el deporte como violencia. Puede parecer una comparación exagerada, y más en la sociedad en la que vivimos, en la que parece ser que el deporte es una especie de olimpo al que aspiran todos, pero para mí el deporte no deja de ser violencia.

El deporte es, al fin y al cabo, un enfrentamiento. Esto es especialmente claro y aparente en los deportes de contacto, donde vemos rutinariamente agresiones que hacen que a uno se le pongan los pelos de punta (ya dicho de paso, me parece muy gracioso que la canción que acompaña a este vídeo sea The Beautiful People de Marylin Manson, visto el culto a la belleza que envuelve al fútbol de alto nivel):

Me dirán que no todos los deportes son de contacto, ni son tan salvajes como estos, pero al fin y al cabo, todas las competiciones deportivas tienen un elemento común: debe haber un perdedor. Se trate de fútbol, básquet, tenis, o cualquier otra demostración de habilidad, aquí hemos venido a ver quién es el mejor de los dos. ¿Acaso no es eso un enfrentamiento violento? No necesariamente a nivel físico, pero el perdedor va a salir con el rabo entre las piernas, y eso obviamente le va a herir a nivel personal. Así, el deporte es un enfrentamiento ritual entre dos (o más) bandos dónde se hace uso de la fuerza física de forma más o menos ritualizada. Dónde ustedes ven a 22 millonarios jugando a la pelota, yo veo esto:

Y es que no es otra cosa. En la naturaleza, los animales con atributos peligrosos -como cuernos, garras, etcétera- ritualizan sus enfrentamientos para poder pelearse -habitualmente en pos de la hembra- sin matarse el uno al otro, preservando así la especie. Se podría trazar un paralelo en la humanidad sin esforzarse demasiado, viendo el deporte como un enfrentamiento que sigue un ritual arbitrario para determinar quién es superior a la otra parte -y por qué no, quien consigue aparearse, porque claro, cuando eres un deportista millonario, la compañía femenina no suele ser un problema-.

Y la violencia no termina en el propio ejercicio del deporte, sino que se extiende a todo lo que lo envuelve. La violencia es así un rasgo fundamental de esta cultura del hincha, ese individuo que va al campo a gritar con la masa y ocasionalmente a coger entre varios de la misma manada a un individuo de una manada distinta para aclararle las ideas. Tristemente, esta violencia es algo aceptado, un elemento intrínseco. A nadie le sorprende. Es perfectamente normal sublimar tu agresividad a través de la rivalidad con otro equipo. Aunque claro, el hecho del enfrentamiento por suscribir unas opiniones u otras también es algo muy típico en nuestra sociedad... Somos una manada de alces pintados de colores esperando a encotrar a un rumiante distinto para aclararle las ideas.

No hay descanso para los malvados.

2009-11-05T11:28:00.010+01:00

Hace ya unos días que estoy disfrutando de dos juegos que, con estilos y planteamientos distintos, han cogido el concepto de juego de rol de acción -o dungeon crawler según la terminología inglesa- y han hecho algo nuevo e interesante con ello: Borderlands y Torchlight.

El género es de sobra conocido, la mayoría de aficionados a los videojuegos hemos probado un Diablo o algún MMO, y los toques de rol -la progresión del personaje, la personalización del mismo- están llegando incluso a los shooters más populares, con lo que no me voy a extender (mucho) sobre el género y sus características.

Sin embargo me gustaría hacer un aparte antes de entrar a hablar sobre los dos juegos que comentaba arriba, y recordar que todo este género se puede ver como una evolución de Rogue, un videojuego creado en 1980 que planteaba una aventura al estilo Dungeons and Dragons, pero con la particularidad que todo lo contenido en la mazmorra e incluso su mapeado eran generados aleatoriamente, dando lugar a una partida distinta cada vez. También hay que destacar que la dificultad del juego era feroz, y que bueno, la interfaz no era precisamente intuitiva o fácil de usar:

El juego fue tal éxito que generó todo un subgénero de roguelikes, que aún se desarrollan en nuestros días, con escenarios que varían desde adaptaciones de El señor de los anillos a recreaciones en texto ASCII del universo Doom. De todo esto, quedémonos con la idea de la creación aleatoria (o procedural, como se ha dado en llamarla) de contenidos, la altísima dificultad, la mecánica de juego de rol, y el pasarse la comodidad de uso por el forro.

Bien, vamos a entrar en materia, Borderlands:

Este juego de Gearbox Software -que hasta ahora se habían dedicado principalmente a las adaptaciones a otras plataformas de videojuegos que van desde Tony Hawk's Pro Skater a Halo- rebosa personalidad por todos los lados:

Empieza con un estilo gráfico propio, que más allá del cel-shading que ya es más o menos corriente hoy, propone un estilo con texturas de cómic y colores vivos que recuerda mucho a Valkyria Chronicles.

Luego añade a esto un sentido del humor y una puesta en escena que está a medio camino entre los westerns de Sergio Leone, las épicas criminales de Guy Ritchie y la saga Mad Max.

Para que no decaiga, diremos que Borderlands está además centrado en el juego cooperativo.

Y para acabar de redondear la idea de lo poco corriente que es este juego, diremos que aunque se trate de un First Person Shooter, usa elementos propios de un juego de rol como los árboles de habilidades, o el equipo de los personajes. Equipo que es generado de forma aleatoria. ¿Crees que tu rifle de francotirador que dispara munición eléctrica está bien? Espérate a que te enseñe mi escopeta que dispara una cortina de gas incendiario y metralla explosiva.

Lo que podría parecer a priori un pastiche de ideas que van cada una en una dirección distinta, resulta en un conjunto cohesionado, con una identidad propia. Borderlands, se podría decir, es un Hellgate: London bien hecho. Además hay que decir que la dificultad está perfectamente ajustada, y que el juego cooperativo es una maravilla. De hecho el juego gana enteros jugándolo con un amigo, ya sea por internet, o en pantalla partida en las versiones de consola. Borderlands toma las bases del roguelike -aleatoriedad, toques de rol y una dificultad ajustada- y les da la vuelta en un shooter frenético.

Y es divertido. Visceral e inmediatamente divertido. En esta época de juegos con sistemas tediosos que lo único que pretenden es alargar el tiempo de juego (te estoy mirando a tí, World of Warcraft), juegos con argumentos pretenciosos que intentan acercarse a títulos como Bioshock o Fallout 3 y no llegan, y demás malas ideas en soporte óptico, Borderlands consigue con su humor, su estética impactante y su sistema de juego (y sus momentos de carnicería maníaca) atraparnos en una espiral de diversión.

No creo que haya ningún jugador mínimamente atraído por los shooters o los juegos de rol que sea capaz de resistirse al encanto de este juego. Hace muchísimo que no me divertía tanto con un título. Y no estoy hablando de que Borderlands haya cambiado mi forma de ver el medio, o de que su argumento me haya hecho reflexionar profundamente sobre la naturaleza de la vida. Borderlands es pura diversión de principio a fin y no se avergüenza de ello. Y espero que tenga el éxito que se merece.

Torchlight es otra visión del roguelike, más tradicional, pero que merece atención de todos modos. Poniéndonos en antecedentes, Torchlight es un juego de rol de acción para un solo jugador para PC, desarrollado por Runic Games, compañía integrada por los fundadores de Blizzard North -estudio que fue disuelto de malas maneras cuando Blizzard fue adquirida por el gigante Vivendi-, que a su vez es el estudio creador de la saga Diablo. En fin, que esta gente saben lo que se hacen.

Cualquiera diría que ahora mismo desarrollar un juego de un solo jugador para PC que además sea de un género tan poco casual como el roguelike es buscar el fracaso. Y se equivocaría. Porque Torchlight no es un juego al uso. Torchlight es la destilación de todo lo que ha hecho grande a la saga Diablo llevado un paso más allá. Runic se han reivindicado como lo maestros del género y han creado un juego que refina lo visto en Diablo hasta extremos insospechados, resolviendo problemas del original como la repetitividad del juego, la mala gestión del inventario, o la poca accesibilidad del juego para los no iniciados en el género.

El juego es, de hecho, un ejercicio de cariño para la comunidad de jugadores de PC. A parte de ser una obra maestra del diseño de juegos, corre en casi cualquier máquina -incluso tiene un modo netbook-, está totalmente abierto a modificaciones por parte de la comunidad de usuarios y tiene un precio irrisorio. Por 20 euros es difícil encontrar un juego de esta calidad. Con todo, es una auténtica maravilla, adictiva, que recompensa al jugador por sus esfuerzos y que a la vez le permite decidir cuanto quiere esforzarse en progresar. La regulación de la dificultad a gusto del jugador es otro gran acierto de Torchlight. No creo que pueda hacer otra cosa que alabar este juego.

En fin, les dejo con la esperanza de que se animen a probar alguno de los dos, y vuelvo a las mazmorras esperando llegar un poco más lejos. No hay descanso para los malvados.

Puerta, Dulce, Pelota

2009-10-31T21:22:00.003+01:00

Me pidieron para una práctica de una asignatura un relato con estas tres palabras, pero que cambiara su sentido más allá de lo convencional. Claro, lo primero que le viene a la cabeza a uno para un relato que contenga estas palabras es una historia con un personaje que rememora su infancia -el dulce, la pelota- y que un día experimentó un suceso que la hizo dejarla atrás -la puerta-. Pero creo que lo que redacté al final rompe bastante estas expectativas. Ah, y que conste que la temática no viene determinada en absoluto por esa invasión cultural que es el Halloween:

Los demonios son criaturas simples. De verdad, no hay nada misterioso o raro en ellos. Tienen su cometido, y ya está. Son cosas de pura tozudez. Simples. Unívocos. Uno no se da cuenta de esto hasta que se encuentra en mi situación. Cuesta decidirse, porque claro, los demonios no están precisamente bien vistos, pero cuando uno sabe que necesita algo que solo puede hacer un demonio, pues se busca un demonio.

Subo las escaleras del piso esperando sangre, cánticos, etcétera. Bueno, el tópico, ya se sabe. Llego al umbral del piso, y llamo al timbre. El zumbido resulta bastante mundano y decepcionante. Me abre la puerta un señor bigotón, bajito y algo entrado en carnes. Ahí van mis idealizaciones de cómo debe ser un brujo. Lo habitual –según me han contado- es que llegues, pagues, y te den lo que has venido a buscar, pero el señor –Venancio se llama- me dice que anda algo escaso, pero que si no me importa, puede invocarme uno.

Tras pasar a un salón donde lo más impío que hay es una pastorcilla de Lladró, acepto una taza de café y me siento en una butaca con funda de ganchillo, expectante. Cuando te has decidido a hacer algo así, bueno, te creas ilusiones. Me descubro cubierto de un sudor incómodo. El señor Venancio saca un plato con un pedazo de dulce de membrillo de la nevera, cierra la puerta de la cocina y deja el dulce en el suelo ante ella.

Es realmente curioso. Solo se necesitan dos cosas para invocar un demonio: una puerta y una promesa. Siendo simples como son, los demonios buscan una promesa; de destrucción, de trabajo, o de algo tan simple como un pedazo de dulce de membrillo. El infierno no debe ser un sitio agradable, solo así uno entiende como tendrían estas ansias de venir. De hecho probablemente les estamos haciendo un favor. Quizás se lo merezcan. No, seguro que se lo merecen, al fin y al cabo son sólo demonios.

El señor Venancio coge el pomo de la puerta. Es una pena haberme perdido lo que ha dicho a la puerta. Se me ha ido el santo al cielo, qué cosas. La puerta se abre, y tras ella solo hay negrura. Bueno, negrura y una masa confusa de garras, colmillos y carne. De hecho no está nada mal. A pesar de todo, la sensación que transmite la cosa es de sorpresa. Seguro que cuando el señor Venancio le ha prometido destruir el mundo no ha mencionado una salita de estar con papel pintado de florecitas en las paredes y una muñeca de una folclórica encima de una tele de tubo.

Metiéndose una mano en un bolsillo e intentando parecer amenazador el señor Venancio se dirige a la cosa en su idioma. No entiendo nada. Sinceramente tampoco me importa lo que tenga que decir el demonio. No he venido buscando conversación. Da la impresión de que el brujo tiene poder sobre la criatura, de que el demonio ya se sabe atrapado. Con un gesto de la mano del señor Venancio, la cosa se retuerce sobre sí misma y queda reducida a una pelota de un color rojizo.

Con una sonrisa incómoda, pago lo convenido y me entrega la pelota. Es del tamaño de la palma de la mano, y pulsa, se diría, con rabia y frustración. Pero eso no importa, lo que importa es que durante la próxima hora el demonio es mío para hacer con él lo que yo quiera, y que el demonio sabe que si quiere volver al agujero llameante al que llama casa, más le vale obedecer. Y me importa un carajo que esté mal visto. Lo que pasa es que hay mucho hipócrita que no admite que trata con brujos. La criatura es mía y haré con ella lo que me plazca esta hora.

Al fin y al cabo, los demonios son criaturas simples.

Culpabilidad a priori

2009-10-31T21:19:00.001+01:00

Cabe destacar que no pretendo justificar ningún tipo de violencia en este post, no sea que me arriesgue a ser apedreado por los bienpensantes -bienpensante, esa palabra que parece salida de las peores pesadillas de George Orwell-. Sin embargo, me resulta muy irritante toda la serie de prejuicios a nivel social que genera la violencia machista -porque las mujeres son obviamente incapaces de ser violentas-. Sin ir más lejos, recuerdo que una profesora de la facultad me usó como ejemplo en una de sus explicaciones sobre expectativas; dijo algo así como "Si ves a un chico rapado por la calle y vas sola, pues te cambias de acera, porque seguro que no se propone nada bueno". Antes que nada, servidor se rapa la cabeza porque el pelo le clarea por la azotea, y no porque sea un violento enloquecido. Segundo, estoy seguro de que nadie sería capaz de observar un comportamiento prejuicioso en esa frase.

Más allá de discutir los prejuicios -Chuck Palahniuk (les sonará de El Club de la Lucha)hizo que uno de sus personajes escribiera un relato sobre feministas bastante aclarador en materia de prejuicios, que se puede leer íntegro aquí (aunque en PDF)-, creo que estamos siendo víctimas de una alarma social al respecto de la violencia de género. Berger y Luckmann estarían contentísimos de constatar la veracidad de sus teorías.

La violencia de género se ha convertido en la guerra en África de los informativos de esta década. Es ese ítem que se emplea rutinariamente, ese problema de fondo que hay que cubrir, pero al que nadie dedica recursos. Con la diferencia que en este caso la alarma social nos lleva a desconfiar del vecino. ¿Gritos más allá del tabique? Llama a Pedro Piqueras. Como decían en Reflexiones de Repronto, "tu vecino es un psicópata, y los emigrantes son zombis". Gratos estos tiempos en los que por ser hombre eres culpable de antemano.

El espíritu de los tiempos

2009-10-24T02:39:00.010+02:00

1. Su rebeldía e individualidad.
2. Su falta de condicionamiento social.
3. La legitimidad de la que se revisten todos sus actos.
4. Las características de sus antagonistas, y la caracterización de Salander como víctima.

1. Rebeldía e individualidad

Se ha comparado -no me voy a posicionar sobre la comparación, simplemente la menciono- a Salander con Pippi Calzaslargas, como un ejemplo de rebeldía, de rechazo feroz a la uniformidad social. Bien, esa comparación, aparte de poco imaginativa por parte del que la propone -por Dios, si la menciona como dos o tres veces la misma novela, cómprense una inventiva-, se queda corta.

La rebeldía de Lisbeth va más allá, no es una simple referencia a un personaje de la literatura popular. Encuentro en esta rebeldía, primero un reflejo de la crisis de valores de la sociedad actual, y en segundo lugar un reflejo de uno de los miedos más presentes hoy: el miedo a la masa y la uniformidad.

Como comentaré en los puntos 2 y 3, una de las claves del éxito del personaje es a mi ver su rechazo de los valores sociales estándares. Este rechazo captura el sentimiento más o menos mayoritario de que nuestra sociedad está podrida moralmente. Sentimiento por otra parte presente en cualquier sociedad, ya desde que Sócrates dijera aquello:

“Los jóvenes hoy en día son unos tiranos.
Contradicen a sus padres, devoran su comida, y le faltan al respeto a sus maestros.”

En resumen, la rebeldía contra el comportamiento indolente de la sociedad sueca de Salander es la captura de este tema universal en forma fácilmente digerible de best-seller. Pasemos a la individualidad. Para muestra de discurso sobre el miedo a la pérdida de la individualidad, veamos una pequeña parte del episodio 23 de Reflexiones de Repronto: "Lo que viene de abajo":

La defensa feroz de la propia individualidad de Salander no deja de ser esto, un reflejo del miedo actual a la pérdida del status individual, a la pérdida de los distintivo de cada uno para pasar a integrar la masa.

2. Falta de condicionamiento social

Otro componente clave de Lisbeth es la falta de pautas de comportamiento sociales. Salander va dónde quiere, hace lo que quiere y lo hace cuando quiere. ¿Qué hay que no sea atractivo en eso? ¿Quién sinceramente no ha deseado alguna vez olvidar la corrección política -ese gran cáncer del pensamiento humano- y hacer lo que cree correcto, o simplemente lo que le apetece? Esta falta de comportamientos sociales por otra parte enlaza con lo que comentábamos más arriba: los valores actuales no son válidos, y su obediencia ciega nos convierte en otra oveja más del rebaño.

En este aspecto, Lisbeth Salander es una perfecta fantasía de poder para cualquier persona integrada en la sociedad actual; de poder dictar sus propias normas y de poder hacer caso omiso impunemente de las que no considere válidas. Este comportamiento constituye además una perfecta característica de escapismo puro y duro -ese componente que tanto se suele criticar, cuando es al fin y al cabo algo presente implícita o explícitamente en cualquier ficción-.

Más allá de todo esto, encontramos en esta ignorancia total de los códigos sociales habituales una referencia clara a la dicotomía entre Honor y Ley -a la que ya nos remitiera Montesquieu en su Espíritu de las Leyes-.

La diferencia entre una cultura de Ley, en la que todo el mundo obedece un contrato social determinado bajo coacción de unas fuerzas de represión y orden -usualmente encarnadas por el Estado- y una cultura de Honor, en la que la única garantía que puede darse a la seguridad personal es la venganza desproporcionada, ante la ausencia de un ente que garantice el cumplimiento de la ley. Salander es juez, jurado y verdugo en sus acciones, rechazando los códigos de una sociedad que es incapaz de mantenerlos. Lo que nos lleva al punto 3.

3. Legitimidad

Puede que en este punto los que ya han leído la trilogía entera me recriminen mi opinión, puesto que ya se me ha comentado que en el tercer libro se comprenden las motivaciones de Salander. Sin embargo, a la altura de la novela a la que me encuentro, más allá de lo ya dicho en el punto 2, la motivación de Lisbeth Salander es la pura venganza.

No me voy a extender sobre la venganza, puesto que es un tema que daría para un blog entero por sí solo. No obstante, quiero remarcar, encadenando con el siguiente punto -las características de los adversarios de nuestra heroína de cuero- que la venganza es un elemento legitimador muy frecuente en la ficción, pero no por ello menos débil, y que ya ha sido cuestionado desde la propia ficción en más de una vez. La venganza le sirve sin ir más lejos a Tarantino para que el público empatice con asesinos crueles y confesos en Kill Bill y en Inglorious Bastards. Por no decir que la venganza es el motor principal de iconos del cómic como Batman o The Punisher.

En definitiva, Lisbeth Salander es venganza, en un envoltorio de rechazo a una sociedad corrupta que traiciona al protagonista, identificado con el individuo corriente de la sociedad actual. Por puro pathos Larsson usa este sentimiento primario para capturar al espectador. ¿Resulta legítima la venganza como motivación? Se han escrito ríos de tinta sobre el tema, y tampoco me voy a extender sobre ello ni dar mi opinión al respecto. Sin embargo, lo que queda claro es que la venganza bien justificada es un elemento extremadamente fácil de usar por un autor para empatizar con los lectores.

4. Antagonistas y víctimas

Aquí sí que podemos ver la intención maniquea de Larsson con toda claridad. Bebiendo de la construcción del Otro, que ha sido tratada a lo largo de la historia por autores que van desde Lippmann a Kapuscinski pasando por gente como Goebbels, Larsson nos propone una serie de enemigos para esta Salander revestida de la venganza de la sociedad oprimida que resulta imposible no odiar.

¿Cómo no despreciar al violador, al pederasta, al maltratador, al violento, al nazi, al necio, al loco asesino en serie, al machista -nótense, por favor, las cursivas-? No hay duda alguna en la calidad moral de los adversarios de Lisbeth. Con enemigos de este tipo, anclados en la destrucción de valores tan fundamentales -y sobre todo tan contemporáneos- como el derecho a la propia sexualidad, a la infancia, a la igualdad de géneros o a la vida misma, ¿Quién iba a cuestionar el comportamiento de Lisbeth Salander?

Este tipo de villano, plano, unidimensional aunque mantenga una doble identidad -Bjurman o Martin Vanger- resulta un recurso literario fácil, simple, pero resultón. Larsson obvia todas las sombras de gris y nos propone un claroscuro de blancos cegadores y negros asfixiantes. ¿Se perdieron todos los matices de gris?

Por otra parte, Lisbeth es la víctima perfecta, como nos describe Larsson en palabras de Bjurman en el segundo libro de la trilogía: desvalida, desprovista de toda autoridad social -a la que de todos modos ella no da ningún valor-, y sobre todo, mujer. Que el autor le dé un intelecto sobrehumano o la haga capaz de la violencia física más extrema no es más que una excusa barata para saltarse agujeros de guión, pero al fin y al cabo Salander se constituye en una víctima perfecta, elegida arbitrariamente y con un destino funesto por factores que escapan a su control. De nuevo un motivo con el que no resulta nada difícil empatizar haciendo un poco de autocompasión.

En conclusión,
Lisbeth Salander es un personaje construido hábilmente, al que puede ser difícil no engancharse, pero el buen lector se cuestiona sus impulsos. Larsson es un tramposo, pero sus trampas han atrapado el espíritu de nuestros días. ¿Se dejan aprisionar ustedes también? ¿O ven más allá del cascarón de las apariencias?

Lápiz y mesa ultratecnológica

2009-10-20T18:43:00.001+02:00

Señores, esto es lo que volverá a poner el rol de sobremesa de moda:

No tengo nada más que decir.

Flashes de fósforo

2009-10-09T23:52:00.021+02:00

Escribo este post con indecisión, sabiendo que el tema que me propongo tratar es extenso, difícil de abarcar. Me propongo comentar que los juegos flash y derivados se están convirtiendo en una plataforma de juego por derecho propio, y destacar algunos ejemplos, recientes o no.

No es la primera vez que trato el tema -En estos tres posts, "El Adán Atómico", "Tu peor enemigo y tu mayor amigo" y "¡Más difícil todavía!"- ya escribí de los juegos flash. Sin embargo, me gustaría pasar por algún punto más allá de simplemente reseñar un par de juegos esta vez. Prepárense que aquí viene el muro de texto.

Démosle un poco de estructura a esta divagación; ¿Qué se puede decir de los juegos flash?

Que son ubicuos, cualquiera que pueda acceder a internet puede disponer de ellos.

Que ignoran una de las restricciones que más ha pesado siempre sobre el videojuego en PC, los requisitos técnicos (por no decir la restricción económica, sobre la que no voy a hablar por obvia).

Que han superado la etapa de juegos puramente abstractos al estilo Tetris o Bejeweled para entrar en el territorio de los juegos más elaborados, con narrativas propias y gameplay cambiante.

Que, ya superados los límites técnicos para la elaboración de juegos flash, se están elaborando juegos en este formato que subvierten la forma del juego o su propio concepto, con una voluntad más allá del puro entretenimiento.

Revisemos cada uno de estos puntos. La ubicuidad es poco discutible; cualquier navegador de internet actualizado y con los plug-ins adecuados puede ejecutar un juego flash.

Similar es el punto referido a los recursos técnicos requeridos, que son triviales comparados con los del mainstream de los juegos de PC. Los otros dos puntos preferiría ejemplificarlos a explicarlos, y eso me propongo con diversos juegos que prueban lo dicho.

La grandiosa mayoría de juegos que voy a usar como ejemplo se pueden completar en cuestión de minutos, y recomiendo encarecidamente que los prueben.

Empezaremos por un ejemplo clarísimo de juego flash que va más allá de la tradición del gameplay simple y rápido al estilo arcade de los primeros juegos de este tipo. "(I fell in love with) The majesty of colors", de Gregory Weir. He intentado buscar vídeos del juego, pero todos o bien destripan el final o usan una banda sonora atroz que masacra la original, o ambas a la vez, así que les dejo con un diseño conceptual (¿se han fijado que aliteración de "-al" más graciosa en esta última frase? iba a editarla entera, pero me parece curioso, así que la dejo como ha salido):

El juego nos propone experimentar la existencia de un ser monstruoso submarino y su interacción con el género humano, tiene un diseño tanto gráfico como sonoro excelente -los efectos de sonido que nos sitúan bajo el agua, la irrupción de los colores en el juego- y un elemento narrativo heredero de Lovecraft que proporciona consecuencias a nuestras acciones y se adapta a ellas.

Otros juegos flash además de avanzar temáticamente el medio, se proponen dejar atrás la necesidad de un aspecto gráfico complejo y optan por un minimalismo que ya de por sí es una elección estética importante. Es el caso de "Don't look back", de Terry Cavanagh.

Esta revisión pixelada en tonos de rojo y negro del mito de Orfeo y Eurídice -que supongo que sonará a todo el mundo, pero por si acaso aquí están las tres partes de un film al respecto: una, dos y tres- mueve la atención del juego de los gráficos a un gameplay refinado hasta lo exquisito y una banda sonora evocadora:

Más se habrá escrito y mejor sobre este juego, que tuvo sus quince minutos de fama en Internet -y al que Alvy Singer dedicó un texto en el suplemento Hardcode de Mondo Pixel nº2, que desafortunadamente no he podido leer-. Sin embargo, nada que se escriba puede compararse a jugarlo. Les aviso que quizás necesiten armarse de paciencia en algunos puntos del juego, así que les incluyo este enlace a un vídeo con el juego completo.

Siguiendo con este tipo de juego minimalista, también citaré "Star Guard", que a través de una jugabilidad endiablada y una paleta de tres colores heredada de la época de las Atari -y seguidora de éxitos con estética neo-retro más recientes como "Geometry Wars" o "Darwinia"- revisa y resume el género de plataformas run and gun entero, comiéndose a la saga "Mega Man" con una audacia y una simplicidad dignas de elogio, añadiendo una narrativa bastante curiosa, y elementos singulares, como el eliminar la dificultad feroz de este tipo de juegos. Sin ir más lejos, en "Star Guard" la muerte de nuestro personaje no tiene más consecuencia para nosotros que una menor puntuación y un pequeño montón de píxeles verdes reposando para siempre en el lugar de nuestro fallecimiento:

Ya para acabar, "Time Fcuk" (sic), el último juego de Edmund McMillen -creador de genialidades como "Spewer" y "Gish" o de auténticas gamberradas escatológicas y capaces de herir cualquier sensibilidad como "C*nt"-.

El juego nos propone un plataformas con elementos de manipulación temporal en el argumento, además de una jugabilidad que gira en torno a la alteración del entorno usando dimensiones paralelas superpuestas en un mismo espacio. Suena complicado -bastante, de hecho, ahora que releo la frase-, pero les aseguro que no les dará migraña por sólo probarlo. De nuevo, aviso que este juego es algo más complicado de lo habitual, pero no resulta excesivamente difícil de superar:

Espero que estos ejemplos hayan servido para ilustrar lo comentado al principio. Otro aspecto que no hay que olvidar -aunque lo haya omitido en la lista de puntos que abre el post- es la democratización en la creación de videojuegos que introduce la tecnología flash... Pueden encontrarse incluso cursillos online gratuitos sobre la programación de los mismos en páginas agregadoras de este tipo de juegos -que muchas veces entran en el pantanoso y embrollado mundo de la red social- como por ejemplo el propuesto en Kongregate Labs. Literalmente, si ahora mismo está leyendo este artículo, no hay nada que le impida programar su propio juego flash.

La evolución lógica -y corporativa- de este tipo de juego independiente y gratuito la encontramos en la App Store del tan traído y llevado iPhone, o en los servicios online como WiiWare, Xbox Live y Playstation Network -no, de esto no hay enlaces. Ya tienen suficiente publicidad-.

La discusión que deriva de este tipo de servicios es obvia... ¿Corrompe la mercantilización al arte (en este caso los juegos flash)? Lamentablemente es un debate que no tengo suficientes energías para empezar, y dudo que nadie tenga las suficientes como para terminar.

Esto, señores, imprime dinero.

Ciertamente han pasado años desde la aparición de los primeros juegos flash en internet, y siguen siendo otra manifestación volátil y -probablemente- efímera de la Red de Redes.

¿O estamos ante un sistema consagrado -y fértil- de distribución de juegos no monetario?

Dicho todo esto, y dejándome mucho en el tintero, me despido de todos ustedes, agradecido al lector por haber soportado otra de mis peroratas. Fórmense su opinión y si lo tienen a bien, hónrenme con un comentario.

Giros

2009-10-07T19:58:00.005+02:00

Un pequeño post para presentar el trailer de un juego que dará que hablar, Gyromancer. A medio camino entre Final Fantasy Tactics, Puzzle Quest y Bejeweled Twist se encuentra... ¿El paraíso? Esperemos que venda lo suficiente para acabar llegando también a la Playstation Network. Entre este caramelo y Shadow Complex, me están entrando ganas de comprarme una Xbox para hacerle compañía a mi bestia negra.

Ya de paso también les recomiendo que pasen diez minutos huyendo del apocalipsis zombi en Dead Frontier: Outbreak, que probablemente no sea la mejor ficción interactiva jamás escrita, pero resulta muy entretenido, y por otra parte que no se pierdan el homenaje más pixelado de la historia a la saga Zelda, disponible en breve en Playstation Network, 3d Dot Game Heroes:

Como siempre, todos los vídeos se pueden ver en alta definición y en pantalla completa. Que los disfruten.

Fortalezas

2009-09-24T00:43:00.007+02:00

Me ha impactado esta noticia, leída en Europa Press. Sin duda alguna, a nadie sorprenden ya las declaraciones de ciertos sectores políticos del país, y más al respecto de temas como la inmigración y las competencias de las comunidades autónomas. De hecho, el propósito de este post no es otro que comprobar lo vigente que sigue lo dicho en un texto que escribí hace bastante tiempo, hace casi dos años.

Sí, este es un post de refrito con un artículo antiguo, pero una serie de circunstancias personales que no vienen a cuento no me han permitido escribir nada recientemente. Espero que me perdonen. Sin más, el texto en cuestión:

"

Sobre el muro

La inmigración ilegal es un hecho innegable, por mucho que se sigan alzando barreras, por mucho que las noticias de cayucos perdidos en el mar ya no nos llamen más la atención que el rumor de las olas en la playa y por mucho que que se diga que es ilegal. Ilegal no es más que un término acuñado desde nuestro lado de la barrera, y pierde su sentido, su gravedad, y su presunta importancia al otro lado de ella. Los inmigrantes esperan trabajar por un futuro mejor en una tierra de oportunidades, y en lugar de ello encuentran un muro a su entrada, y aún si lo superan siguen atrapados en un sistema que los persigue y los criminaliza, complicando su regularización y reprimiéndoles.

Criminalizar la inmigración sólo consigue que la inmigración se deba integrar en el crimen y la picaresca. La diferencia y la discriminación hacia el inmigrante nacen de esta criminalización, y se alimentan desde las jerarquías sociales existentes. Ilegal es la inacción de la comunidad internacional ante la situación de África, que permite que continuen en el poder gobiernos corruptos y dictatoriales, sin ir más lejos el de Gadaffi en Libia. Ilegal es no hacer nada por mejorar la esperanza de vida en África, que es de 46’3 años. Ilegal es la postura de las multinacionales farmacéuticas que se niegan a convertir los fármacos contra el sida en genéricos cuando dos de cada tres infectados de sida del mundo son africanos. ¿Nadie se ha parado a pensar que si los inmigrantes están dispuestos a atravesar las penurias que atraviesan es por la completa falta de esperanza en la que se vive en sus países de origen?

La región más pobre del planeta sigue sin recibir más que paños calientes para sus problemas. ¿En lugar de pagar bajo mano a inmigrantes no sería mejor crear empleo en su país de origen? El antieuropeísmo mostrado por los líderes africanos en la última cumbre africano-europea es más que justificado; la sociedad europea se alimenta de la inmigración, legal o no, y sobretodo marca cual es la inmigración legal y cual la ilegal.

Dentro de este marco, es necesario establecer acuerdos para la el flujo legal de inmigración. Las legislaciones actuales son insuficientes, y ayudan a perpetuar las desigualdades sufridas por el colectivo inmigrante. Una regularización permitiría erradicar las redes criminales tejidas alrededor de la inmigración, permitiría que los negocios de los inmigrantes pudieran funcionar dentro del sistema fiscal, y este mismo sistema fiscal se vería fortalecido por las aportaciones de los recién llegados.

Ilegal es un término que más criminalizar a los inmigrantes, ampara a los que se aprovechan de su situación para sacar beneficio. Ilegal es el tráfico de seres humanos. Ilegal es el trabajo precario, sin medidas de seguridad ni un sueldo digno. Ilegal es el soborno que acepta el funcionario a cambio de agilizar los trámites. Ilegal es el que realquila un piso patera. La inmigración es un hecho innegable, y convirtiéndola en un fenómeno ilegal y poniéndole trabas puede que consigamos convertir Europa en una fortaleza, pero eso solo nos llevará a ser los vigilantes de nuestra propia prisión.

El Adán Atómico

2009-09-04T17:31:00.004+02:00

El título tiene pinta de ser el de un ensayo pretencioso sobre el Dr. Oppenheimer, por todo el tema de la manzana como metáfora de la bomba atómica y el pecado original, y blah blah blah, pero para hacer reflexiones pretenciosas ya está Jonathan Blow, no se preocupen que vamos a hablar de videojuegos.

Canabalt es la última creación de Adam Saltsman, apodado "Adam Atomic" -ahora ven lo elaborado que es el título ¿eeeeeh? Humor de primera para lectores de primera-, programador de caramelos pixelados como Fathom, Gravity Hook, o el motor gratuito para juegos flash Flixel, sobre el que están basados los tres juegos comentados.

Si en Fathom teníamos una reflexión sobre las experiencias cercanas a la muerte y Gravity Hook resumía en un clic los juegos de habilidad y reflejos, Canabalt es el demake perfecto de un juego de plataformas.

Inscrito dentro de la competición Experimental Gameplay Project (imprescindible para cualquier aficionado al videojuego: la competición mensual gira en torno a un tema distinto cada mes y ya ha producido bastantes pequeñas joyas), Canabalt abraza el concepto para los juegos de este mes impuesto por la competición: "bare minimum", es decir, lo mínimo imprescindible. A través de ese mínimo gameplay Saltsman reviste su criatura de un aspecto visual y sonoro que nos recuerda a algunas de las mejores distopías del videojuego y el cine recientes, Half Life y The Matrix.

¿Será Canabalt una crítica a los videojuegos con gameplay simplón -que no simple- y estética pulida hasta el absurdo? ¿Será una reducción del género plataformero a su esencia más pura? Jueguen y decidan.

Ah, y no dejen de jugar a Spelunky, que por fin ha lanzado su versión 1.o para PC. Exploración de cuevas procedural y gráficos de 16 bits... Y es gratis. Del todo. ¿Hace falta decir más? En todo caso, un vídeo:

¡A jugar, que es gratis, y se acaba el verano! Y aún no me he visto Perdidos... A este paso no podré conectarme a internet sin spoilearme...

Mirar a las cabras

2009-08-29T12:20:00.003+02:00

Aquí dejo este trailer encontrado por casualidad -pero qué casualidad más afortunada- de "The men who stare at goats", basada en el libro del mismo título, con George Clooney, Ewan McGregor, Kevin Spacey, Jeff Bridges y el muy televisivo Chris Bauer. Con estos actores, una dirección que por lo visto en el trailer parece de los Coen, y una historia de no ficción sobre un comando militar americano con supuestos poderes psíquicos, ¿Qué puede fallar? A ver si se convierte en otra comedia semi-indie como "Gracias por fumar" -película que si no han visto les recomiendo de todo corazón. En ella Aaron Eckhart hace un papel sublime interpretando a un portavoz de la industria tabacalera, todo en clave de comedia bastante negra- . Que me den dos DVDs.

Hilaridad

2009-08-24T13:11:00.002+02:00

Entrada breve para mostrar dos vídeos, uno sobre las peculiaridades de vivir con alguien que padece el Síndrome del Videojuego de Disparar en Primera Persona, y otro sobre las interioridades de la multiplicación del dinero bancario vía intereses de una forma muy peculiar. ¡Que los disfruten!